Quella Tosca delle meraviglie

Fiorenza Cedolins, Ambrogio Maestri e Daniel Oren firmano la Tosca che ascolteremo stasera alle ore 22,30 e domani alle 18 su Lira Tv. Renzo Giacchieri realizza la gabbia precostruita da Giacomo Puccini. Superba l’orchestra che sposa l’intenzione di Scarpia, barone molto charmant, nel cui volto, ai tempi d’oggi, qualcuno  potrebbe intuire anche il profilo del nostro governatore Vincenzo De Luca

 Di OLGA CHIEFFI

Era il tempo di Natale del 2016, quando andò in scena la Tosca che stasera, alle ore 22,30 e domani alle ore 18, Lira Tv riproporrà per questa stagione tutta televisiva, in attesa che si rialzi il sipario del Teatro Verdi di Salerno. Stellare il cast: la crudeltà e l’ansia di Scarpia, interpretato da Ambrogio Maestri, mostro corrotto ma sincero, uomo di mondo e fedele servitore dell’autorità, in cui qualcuno potrebbe intravvedere anche il profilo del nostro governatore, Vincenzo De Luca, proprio nel comando a Spoletta “Tre sbirri… Una carrozza…Presto! Seguila! Dovunque vada!… non visto!Provvedi!”,  la tenerezza di Tosca, avrà la voce e in particolare le qualità attoriali di Fiorenza Cedolins, al pittore Cavaradossi, darà vita Gustavo Porta attaccato alla vita e al piacere con ingenuità poetica, a completare il cast il basso Carlo Striuli, sarà Cesare Angelotti, e la abituale triade Nardinocchi, Pittari e Boisseau, ricoprirà i ruoli del sagrestano, Spoletta e Sciarrone. La cornice dei luoghi, mossa con estrema abilità fra una chiesa fastosa, una sala di palazzo con annessa stanza dei tormenti, e il carcere per i condannati a morte, schizzante una Roma tra fede e potere e il conflitto fra la voluttà e la carne martoriata, fra la sete vitale e l’oppressione, il tutto elevatesi a monumento sepolcrale, porterà la firma di Renzo Giacchieri, sotto un cielo stellato schizzato dalle luci di Jean Baptiste “Tittì” Warluzel. Tosca è una partitura che Daniel Oren ama e qui adatta l’orchestra a questi cantanti, procedendo ad un lavorio di cesello che non disarticola mai, andando, a cogliere infallibilmente la sintesi delle linee dinamiche, di una partitura che risulta, stavolta, tersa e aerea per il disegno drammaturgico e il disegno espressivo. La voce dei cantanti è andata ad esprimere segni di creature nude di ogni idealità, puro sussulto psicologico, schiavi di se stessi, della loro parte più oscura, annientati definitivamente dal corsivo della vita. In Tosca la disperazione si imbeve di politica, e di quell’intrecciarsi del potere laico con l’altare che è stata la linea difficile della nostra storia unitaria dal settembre del 1870 in poi. Ambrogio Maestri, l’eccellenza assoluta del baritono buffo, adorato Falstaff o Dulcamara, che rivedremo in ottobre, proprio nell’Elisir d’amore, porta il pubblico quasi a parteggiare per il subdolo charme del barone Scarpia, che non appare per intero mostro mefitico e corrotto, quale è, ma sincero uomo di mondo e fedele servitore dell’autorità, che in “Tre sbirri,  una carrozza”, che rivela il personaggio, addomestica anche l’orchestra, con il suo canto perfetto, rotondo e la sua recitazione elegante, mai malvagia, come si addice al sanguinario capo della polizia segreta. Fiorenza Cedolins è la Tosca italiana per eccellenza, splendida nella voce e nella recitazione ben definisce gli strappi vocali che costellano la sua parte, srotolando d’esperienza il velluto della sua voce, in quelle pause di disteso lirismo, e nell’ attesissima “Vissi d’arte” che fa testo a sé. A Gustavo Porta vanno riconosciuti i meriti di uno sforzo che, però, più di una volta, diverrà enfasi uniforme, in particolare nel primo atto, mentre, la più compiuta e appassionata confessione di Cavaradossi “E lucevan le stelle”, così come, “O dolci mani mansuete e pure” risolleverà la performance. Il coro è diretto da Tiziana Carlini e le voci bianche preparate da Silvana Noschese, mentre il pastorello avrà la voce di Aiscia Husanait. Finale firmato interamente dall’orchestra e dai nostri legni. Lo sfondo d’amore fra l’eroina e il suo Mario è la sontuosa evocazione del paesaggio romano. Daniel Oren ne offrirà la pantografia musicale, con gli improvvisi incendi convulsi, e le sfibratezze necessarie dei violini, che guidati da un’impeccabile Daniela Cammarano, sembrano lacerarsi nelle sete esotiche, unitamente ai legni, di Valeria Serangeli, Hernan Gareffa e Antonio Senatore.

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Le “Seduisantes emotions” di Armando Ghidoni

Otto brani per un progetto in cui il jazz classico incontra evocazioni di musica “seria” eseguiti da formazioni in cui s’incontrano giovani talenti e professionisti affermati

Di OLGA CHIEFFI

Un cartello di brand di strumenti e accessori, Zac Ligature Sequoia, Savut Trumpets e Goodwaverecordings, ha prodotto l’interessante progetto di Armando Ghidoni, “Seduisantes Emotions”, compositore e docente di sassofono trentino, ma di scuola francese. Le “seducenti emozioni” sono offerte dalla recherche su particolari formazioni strumentali, in cui s’incontrano essenze ed estetiche musicali diverse, a cominciare dalla scelta degli esecutori e della contaminazione dei brani, che fondono il feeling «jazzistico» con il classicismo europeo, la tradizione melodica italiana e l’impressionismo francese con il ritmo delle percussioni. La registrazione ha l’andamento di una garbata conversazione tra colti amici. Si entra e si esce da una sorta di metamusica che, nessuno meglio di Guidoni, sa strutturare, modellata volta per volta, sulle caratteristiche dei musicisti con i quali interagisce. Talvolta i toni si fanno più agitati, con il clarinetto di Gaetano Falzarano che sa spingere sull’acceleratore, virtuosisticamente, nella sua sortita “Alegre Marie”, per poi strizzare l’occhio al blues più classico, in duo con la pianista Simona Padula, a volte decisamente impressionisti, come l’intro pianistico dell’intensa Dominique Blanc nel brano che apre il progetto “Au Rythme des Souvenirs”, per poi passare il testimone al flicorno soprano di Daniele Grott, al sax baritono di Mattia Grott e alle percussioni di Gabriele Zandonati, in un crocevia di memorie e sorprese, che profuma di diverse esperienze. In generale, l’atmosfera non è mai turbata da eccessi e intemperanze: riassumono tutto la “Ballade d’une femme”, a specchio con “Quella storia”, due soli affidati al pianoforte della Blanc, in cui le trame si sfaldano e rigenerano,  attraverso l’eleganza del tocco e del fraseggio. Splendida amalgama tra legni ritroviamo in “Rhythmical Serenity”, una danza, che gioca tra incontri, scontri e ritorni, come in un haiku, in estatico equilibrio tra il singolo momento e l’insieme, tra il purissimo suono del flauto di Antonio Senatore, il clarinetto di Gaetano Falzarano e il caldo fagotto di Antonello Capone. Domique Blanc è pianista dal tocco nitido e asciutto, per niente incline al virtuosismo ma orientato, piuttosto, verso lo scavo del tessuto armonico e l’esplorazione di rarefatte cellule melodiche, che caratterizza “L’Ame d’un regard”.  Discorso pari per “Amour” in cui incontriamo ancora il clarinetto di Falzarano e il piano di Simona Padula, che sposano il suono del cello di Aurelio Bertucci. Esplorare è un verbo che ben si attaglia alla visione di Guidoni, il quale compie una profonda analisi timbrica su questi strumenti. Finale lussureggiante con il brano che ha dato il titolo al progetto, quelle “Seduisantes Emotions”, evocate dalla tromba di Daniele Grott, dal sax alto di Mattia Grott e dal pianoforte di Dominique Blanc, i cui suoni alonano il tutto di sinuosità e di un respiro assolutamente particolari, che strizzano l’occhio a Tin Pan Alley, semplice veicolo per una ricerca sonora che trascende dai significati, dalle sottigliezze semantiche, dallo scavo drammatico, attraverso un controllo del materiale, ottenuto con fluidità danzante e uno swing peculiarmente rilassato, con aperture sempre calibratissime e giocate con un senso vivo del ritmo.

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La quarantena secondo Stefano Bollani: «La musica non deve fermarsi»

Molti artisti hanno deciso di rimandare l'uscita dei loro album. Non il compositore e pianista che dalla sua casa di Roma in cui sta condividendo la reclusione forzata con la moglie spiega: «Spero che sia di buon auspicio. Inizia ad uscire lui, poi magari toccherà a noi». L'intervista.

«Come sta andando la sua quarantena? Dove si trova?», mi chiede a bruciapelo il compositore, pianista e cantante Stefano Bollani a inizio intervista.

«Sono a Milano. Da solo, ma con una lunga lista di videocall e cose da fare. E lei?». A lui va sicuramente meglio. Con la sua voce entusiasta mi spiega infatti che è nella sua casa di Roma e sta trascorrendo questa reclusione per coronavirus con la moglie Valentina e il loro cagnolino. «Di questi tempi lui è preziosissimo», dice, mentre nella mia mente compaiono i meme che girano sul web con persone che pur di mettere il naso fuori casa porterebbero a passeggio anche un peluche. «Usciamo tre volte al giorno (onde evitare polemiche chiariamo che quando esce col cane Stefano non c’è anche la moglie e viceversa, ndr)».

HA DECISO DI FAR USCIRE IL SUO DISCO, NONOSTANTE LA QUARANTENA

Che poi a uscire non è solo lui col cane, ma anche il suo nuovo disco. Piano Variations on Jesus Christ Superstar era previsto per il 3 aprile e così è rimasto. Una decisione abbastanza controcorrente visto che la maggior parte degli artisti sta rimandando la pubblicazione o distribuzione delle loro opere. Glielo faccio notare, ma per Bollani il problema non si pone: «Intanto spero che sia di buon auspicio. Inizia a uscire lui, poi magari toccherà a noi». Poi per il compositore questo album è come un figlio: «Sarebbe stato un peccato tenerlo rinchiuso».

FAN DI JESUS CHRIST SUPERSTAR FIN DALL’ADOLESCENZA

Come suggerisce il titolo, il disco è la personale rilettura solo al pianoforte delle musiche del film Jesus Christ Superstar. «Avevo 14 anni quando l’ho visto la prima e sono rimasto folgorato sia dalla pellicola che dalla colonna sonora. C’era Gesù che cantava musica rock!». L’idea del progetto però gli è balenata nella testa solo nel 2019 mentre era steso su un’amaca. «Ho pensato: perché non fare una versione intima? Che è un po’ il contrario dell’originale». Per farlo ha ricevuto il permesso di Andrew LIoyd Webber che ha composto le musiche originali. Gli chiedo se si sono sentiti in qualche modo e se ha ricevuto un feedback: «Non ancora, mi ha dato il permesso a scatola chiusa. Sono davvero curioso di sapere cosa ne pensa».

DOMANDA. Visto che parliamo di musica ai tempi del coronavirus non posso non chiederle se le è piaciuta l’iniziativa dei balconi canterini.
RISPOSTA.
Li hanno fatti anche qui. È l’ennesima dimostrazione di quanto la musica sia è importante per tutti. Che poi questo lo sapevamo già, più o meno inconsciamente tutti.

Ci ha fatto sentire più uniti?
Assolutamente sì. La musica è condivisione fin dagli albori dell’umanità. Pensi a quella che si faceva intorno a un fuoco, a un tempio, o in ocassione di una nascita o di una morte. Per chi ci crede, ci permette di comunicare con spiriti più alti.

Anche se in questo momento la possiamo condividere solo a distanza.
In questi giorni sarei dovuto essere in giro a suonare. Il concerto live è una cosa importante per un musicista. Proprio perché ti permette di entrare in comunicazione con il tuo pubblico. Per fortuna ci sono le dirette Instagram.

Lei e tanti altri artisti state intrattenendo il pubblico in questo modo. Un regalo a tutti i fan?
In realtà abbiamo un grosso tornaconto. Ci guadagniamo entrambi: trasmettiamo calore e ne riceviamo indietro altrettanto.

E un po’ tutti evadiamo dalla tempesta di notizie da cui siamo bombardati.
Posso dire una cosa a riguardo?

stefano bollani quarantena
Il compositore Stefano Bollani.

Certo, la ascolto.
Ho letto su alcuni testi di linguistica che l’informazione è quella cosa che porta una novità. Se non c’è novità è solo comunicazione. Quando accendiamo la tivù non riceviamo solo novità. Quindi quando non è così spengo. Io ho bisogno di materiale su cui riflettere, altrimenti faccio altro.

Di cosa sono fatte le sue giornate quindi?
Leggo, suono, medito, faccio ginnastica.

E cosa le manca fare oltre ai concerti?
Guardi mi tengo talmente impegnato che non ho ancora pensato alle cose a cui sto rinunciando. In realtà era come se fossi già in una specie di quarantena. Io e Valentina venivamo già da due mesi di vacanza a casa.

E poi immagino che lei, per il lavoro che fa, abbia un buon rapporto con la solitudine. Sbaglio?
Ho un ottimo rapporto con la solitudine! Anche perché spesso viaggio da solo.

E appena saremo tutti liberi, quale è la prima cosa che farà?
Non ci ho ancora pensato. Anzi sì. Io e Valentina andremo al mare. Bisognerà scegliere bene il posto perché sarà pieno ovunque.

Un bel modo per ricominciare. Proverò a farlo anche io. Qual è il sentimento che sta vincendo in questo periodo di emergenza sanitaria mondiale?
Mi sento in attesa, come tutti.

In attesa di cosa?
Credo che ci aspetti una sorta di dopo guerra. La storia ci insegna che, di solito, durante il dopo guerra c’è un rifiorire delle arti. Perché chiusi in casa abbiamo avuto tempo per pensare, per fare un salto evolutivo in avanti. Tutti parleremo di grandi temi.

Ci saluti consigliandoci un disco da recuperare durante la quarantena.
Più che un disco vi suggerisco una canzone che mi mette allegria e mi tira sempre su.

È utile. Ci dica!
Cheek to cheek nella versione di Ella Fitzgerald e Louis Armstrong.

Grazie! Allora buona quarantena.
Anche a lei. Si diverta.

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La quarantena secondo Ornella Vanoni: «Godiamoci la pigrizia»

La cantante è rimasta a Milano per stare vicino ai suoi famigliari che però vede solo attraverso lo schermo del telefonino. In una quotidianità peggiore rispetto a quella della guerra. E sulle canne prima di dormire: «Sono il mio sonnifero, altrimenti non prendo sonno». L'intervista.

Se sei un #bimbodiOrnellaVanoni da anni, l’idea di intervistarla ti mette un po’ di ansia. Vorresti farle migliaia di domande sulla sua vita, sulla sua musica, la sua quotidianità e un po’ ti rammarichi perché non sarà possibile.

Quando ci siamo sentiti la prima volta per organizzare la nostra chiacchierata, Ornella Vanoni non aveva ancora pubblicato sulle sue pagine social il video, che è poi diventato virale, in cui commossa invitava gli italiani a rimanere a casa e seguire scrupolosamente le indicazioni del governo per limitare la diffusione del coronavirus.

Quasi due settimane dopo ecco che squilla il telefono. È lei. Ho l’impressione di non essere il primo, e nemmeno l’ultimo, che vuole parlare con lei della quarantena: «Volete parlare tutti della stessa cosa», mi dice. «Facciamo in fretta», la rassicuro io.

Ho pensato : vi canto una canzone o vi dico quello che penso ? #iorestoacasa #restiamoacasa #ornellaornellavanoni @ornellavanoniofficialpage

Posted by Ornella Vanoni on Wednesday, March 18, 2020

Le faccio notare che nel video appello che ha fatto il 18 marzo sembrava impaurita. «Non è la sensazione che ho dato», mi interrompe subito. «Sembravo vera. Non c’è più nessuno che lo è. Che ha il coraggio di fare vedere i sentimenti. Ero preoccupata e addolorata». Per questa emergenza sanitaria mondiale e le sue conseguenze. Quella che mi sembra le pesi di più è l’impossibilità di vedere la sua famiglia. «Sono rimasta a Milano così almeno sono vicina ai miei», raccontava con le lacrime agli occhi nella clip. Ma i suoi non li può incontrare, non li può toccare. «Vedo le loro facce solo attraverso il telefonino».

«IMPARIAMO A GODERCI LA PIGRIZIA»

Eppure la solitudine a Ornella piace. «Certo questa è una solitudine imposta, non scelta. Ma anche in questa condizione si può trovare pace». E la ricetta per farlo è «godersi la pigrizia». In questo modo aiutiamo noi stessi, ma anche i medici che sono «come i soldati in prima linea durante la guerra».

DOMANDA. Un’esperienza che lei ha vissuto.
RISPOSTA.
All’epoca potevo uscire il pomeriggio, andavo a trovare i miei cugini, giocavamo. Era la sera il problema. Si dormiva al freddo, vestiti, con le scarpe e il cappotto sulla seggiola per essere pronti a scappare quando suonava la sirena.

Da come ne parla sembra che la quotidianità ai tempi del coronavirus sia addirittura peggio di quella della Seconda guerra mondiale. Sbaglio?
Non sbaglia (risponde dopo averci pensato per qualche istante, ndr). Certo non c’era il lusso che c’è oggi, ma potevamo uscire. Dopo il primo bombardamento su Milano, ci siamo spostati a vivere in un appartamento a Varese. Stavamo in questo piccolo salottino dove c’era la stufa a legna perché le altre stanze erano troppo fredde. Mi ricordo che preparavo le sigarette a mia mamma con una macchinetta.

Altri ricordi di quel periodo?
Quello che non dimenticherò mai è il profumo di sapone, di pulito che hanno portato i soldati americani con i loro capelli rasati a zero e le loro t-shirt bianche. Lo sento ancora.

La preoccupazione in tempo di guerra era sicuramente maggiore. Me lo conferma?
Era diversa. Perché sapevamo chi era il nemico. Oggi il nemico è il coronavirus. Ma non sappiamo chi sia.

Quando vedo i politici che in tivù litigano sul coronavirus, spengo tutto guardo un film

Eppure molti italiani inizialmente non hanno rispettato le linee guida del governo e il decreto #IoRestoACasa. Soprattutto gli anziani. Secondo Natalia Aspesi gli anziani non hanno paura.
Io non ho paura, ma nemmeno mio nipote che ne ha 24 anni. Basta stare attenti. La paura non serve a niente. Bisogna seguire le regole.

Lei ha mai avuto paura nella sua vita?
Durante la guerra sentivo quella che provavano i miei. Ed era molto forte. Oggi mi sembra che la paura sia globale. E anche i vecchi penso ce l’abbiano. Certo abbiamo vissuto tutta una vita e possiamo anche andarcene.

I media fomentano questa paura globale?
No. Ma confondono le idee. Tutti ne parlano. Adesso cominciano anche a litigare sul tema. Soprattutto i politici, madonna santa (e ricrea qualche esempio di dibattito in tivù, ndr).

Fanno campagna elettorale anche sul coronavirus?
Sì, allora sa cosa faccio? Spengo tutto e vado a vedermi un filmino. C’è gente che invece sta attaccata tutto al giorno alla televisione per sapere cosa succede. Diventa una malattia poi.

Non le piacciono le litigate politiche in tivù, ma un’idea sull’operato del governo Conte se l’è fatta?
Onestamente a me sembra che il premier si sia dato da fare per quello che poteva fare. Non ritengo che sia un nullafacente. Non sarà il genio della lampada, ma è un momento estremamente difficoltoso. Non abbiamo un centesimo, ricordiamocelo. Dove sono questi soldi?

Spero di poter finire il disco a cui sto lavorando prima che io deceda

Nel video che ha pubblicato sui social a metà marzo dice che fa le scale fino al quinto piano per tenersi in movimento senza uscire. Di cos’altro è fatta la quotidianità di Ornella Vanoni ai tempi della quarantena?
Leggo, scrivo, esco col cane, parlo con la mia famiglia e con gli amici.

Anche alcuni colleghi?
Sì, certo. Giuliano Sangiorgi, Renato Zero, Paola Turci. Vabbé Gino Paoli. Siamo amici.

Com’era la sua vita prima della pandemia?
Avevo delle giornate molto concitate. Dalle cose più banali: il trucco, il parrucchiere, gli amici. E poi stavo lavorando a un disco da mesi con alcuni autori.

E adesso è tutto congelato.
Fino a che non potrò entrare in studio sì. Speriamo di farlo prima che io deceda (lo dice ridendo, ndr).

Non dica così! A proposito di musica. Le è piaciuta l’iniziativa dei balconi musicali?
È stato bello. Ci faceva sentire uniti. Come dovremmo essere in questo momento. La musica metteva allegria e ci faceva sentire comunità.

Una comunità che però si dimentica delle tante donne per cui convivenza forzata vuole dire violenza domestica come ha fatto notare sul suo profilo Facebook.
In questo momento nessuno se ne occupa per davvero. Il Telefono Rosa suona poco. E a me fa pensare al peggio.

Nonostante gli annunci fatti da molte cantanti e colleghe per sostenere le donne che in questo momento sono costrette a…

Posted by Ornella Vanoni on Thursday, March 26, 2020

È stata lanciata la campagna Libera Puoi per sensibilizzare sul tema. L’ha vista?
Sì, non mi piace. Se non sono libere come fanno a potere?

Invece la natura può tornare meravigliosa se l’uomo si ferma. Ce l’ha ricordato lei la mattina del 30 marzo postando un video di una Venezia rinata.
Certo non possiamo tornare all’aratro, ma per esempio Venezia non può essere trattata come Roma. È una città delicata. Anzi non è nemmeno una città, è un luogo di meraviglia. Accessi limitati e monitorati, come se fosse un interno. Niente navi.

Magari tutta questa brutta situazione ci insegna qualcosa. Lei che ne pensa?
Io me lo auguro. Dovremmo imparare un po’ di moderazione. Meno velocità.

Prima di salutarci mi toglie una curiosità?
Se posso sì.

Ha dichiarato che da 55 anni si fuma una canna prima di dormire. Se ne è tanto parlato. Quest’abitudine è ancora in voga anche in quarantena?
È il mio sonnifero! Ne ho provati tanti, ma funziona solo quello. Se non me la faccio non dormo! Che poi, scusate, in America adesso è libera.

È vero. E non solo lì.
Tra l’altro c’è anche un olio a base di marijuana che fa passare i dolori al corpo. L’ho provato e funziona.

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Goliardi: è online la versione rap di “Mad World”

E’  online la versione rap di “Mad World” dei Goliardi, nuovo progetto musicale a cura del rapper e produttore campano Emanuele De Vita.

Di LUCA GAETA

“Mad World” è una rilettura sia testuale che musicale del brano dei Tears for Fears. Il brano è molto più di una semplice cover, è un manifesto programmatico ed esistenziale ispirato alle vicende degli ultimi decenni che, mai come in questi giorni difficili, portano a galla dubbi, paure e rabbia soprattutto nelle classi più provate e troppo spesso vessate dal tritacarne sociale. “Una versione di questo brano – spiega il rapper – è nella colonna sonora di “Donnie Darko”, un film che da ragazzino mi ha particolarmente segnato perché esprime in maniera molto profonda e quasi mistica temi di denuncia sociale, in particolare contro il bigottismo reaganiano dell’epoca in cui è ambientato. Mi sono sentito vicino al protagonista, al suo sentirsi disadattato. Quel clima è rimasto, ci saranno sempre abusi e disparità. Ho scelto “Mad World” perché un brano tristemente bello, sublime. Anche nella consapevolezza di conoscere alcune cose tristi il semplice fatto di esserne coscienti è comunque meglio che restarne accecati. Ho iniziato a improvvisare degli accordi sulla chitarra acustica suonando in maniera istintiva, soltanto dopo ho messo le rime nero su bianco. Volevo iniziare a scrivere un testo personale ma sono finito a parlare di questioni umanitarie senza velleità politiche, la mia non è nient’altro che la rabbia verso alcune ingiustizie.  Le foto mostrate all’inizio della clip raccontano gli accadimenti che ci hanno segnato negli ultimi 20 anni: il G8 di Genova, il massacro della scuola “Diaz”, migranti morti naufraghi, i Mojito in spiaggia per distoglierci dalla negazione progressiva e costante dei diritti sociali e civili. Non avevo budget per realizzare il video, la fotografia, le luci, pagare attori, videomaker o un regista e allora ho realizzato tutto da solo, aggiungendo delle immagini dal mio archivio di riprese. Meglio sviluppare una buona idea ma semplice e farla uscire nel migliore dei modi. Non è stato arrangiato e suonato in sala prove ma i musicisti hanno registrato singolarmente, senza mai essersi incontrati e senza sapere cosa fare. Sono venuti in studio e ognuno di loro ha improvvisato. “Mad Word” è stato registrato nel mio vecchio studio, un piccolo garage di 17 metri quadri adibito a studio di registrazione a regola d’arte e con apparecchiature professionali”. Goliardi è il nuovo progetto di Emanuele De Vita, la voce femminile è di Enza Di Lascio. Al sax soprano c’è Valerio Vitolo, alle chitarre Giovanni La Ferrara, al basso Mario Sernicola, alla batteria Vincenzo Nanni. Il progetto è ispirato ai goliardici intellettuali vagabondi che nel Medioevo, per via delle loro condizioni economiche, vivevano ai margini dalle comunità universitarie affidando ai loro canti sentimenti anarchici oppositori delle caste sociali, sia quelle associate al potere ma anche di coloro chiusi nella loro grettezza. Molteplici le influenze musicali: le chitarre acustiche di Jonny Cash e il suo spirito ribelle, il rap americano della vecchia scuola, Eminem, i Putan Club, Vinnie Paz, XXX Tentacion per citarne solo alcuni. Fibra, Salmo e tutta la scuola napoletana da Clementino alla Famiglia, i 13 Bastardi, i Clash, lo spirito compositivo dei Pink Floyd. Classe ’89, Emanuele De Vita, oltre che rapper è un tecnico del suono; attualmente è allievo del Conservatorio “Giuseppe Martucci” di Salerno presso la classe di tecnologie musicali. Ha mosso i primi passi sulla scena campana come writer. Si è avvicinato al rap seguendo il movimento hip-hop della sua città che negli anni Zero ha avuto come quartier generale lo Skate Park di Battipaglia, nel salernitano. “Goliardi” è l’ultimo dei suoi progetti. In passato, ha pubblicato altri brani con lo pseudonimo di Sciottariello.

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La quarantena di Michele Alessandrino: «Re dei flashmob solo per hobby»

Grazie alle sue imitazioni (direttamente dal balcone di casa) di Morgan, Achille Lauro, Elettra Lamborghini e Loredana Bertè ha conquistato più di 60 mila follower su Instagram. Ma il 20enne di Caserta non vuole trasformare questo successo in un lavoro. E ha già rifiutato la richiesta di molti manager.

In pochi giorni ha superato i 60 mila follower su Instagram e si è guadagnato il titolo di ‘re di flashmob‘. Un successo del tutto inaspettato e totalmente homemade, quello di Michele Alessandrino. 20 anni, originario di Caserta, è diventato virale grazie alle sue esibizioni sul balcone di casa. In un’Italia che, in piena emergenza coronavirus, alle ore 18 si è riscoperta canterina non è facile farsi notare. Eppure lui ce l’ha fatta. Merito dell’idea di imitare nel look i cantanti che omaggia.

«CHE SUCCEDE? DOV’È BUGO?»

Tutto è iniziato con Sincero di Morgan e Bugo, nella controversa versione rivisitata dall’ex Bluvertigo sul palco dell’Ariston. Michele esce sul balcone in occhiali da sole e abito nero: «Le brutte intenzioni, la maleducazione, la tua brutta figura di ieri sera…». Dopo l’ultima nota si guarda in giro e saluta il pubblico del suo quartiere (affacciato alle finestre e sulle terrazze) con l’ormai iconico: «Che succede? Dov’è Bugo?». Ed era solo il quinto giorno di quarantena.

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Quinto giorno di quarantena, i risultati.

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NON VUOLE LAVORARE NEL MONDO DELLO SPETTACOLO

Mi chiede di chiamarlo dopo le 18. Immagino che sia perché debba registrare un nuovo video. La realtà è ben diversa: «Avevo lezione online e poi c’è un tempaccio. Non si può nemmeno uscire sul balcone», mi spiega. Perché, a dispetto di quello che possono aver pensato in tanti, Michele non ha intenzione di trasformare queste esibizioni in un lavoro. Da grande vuole lavorare nella sicurezza. Studia infatti a Narni Scienze per l’investigazione e la sicurezza. Quando l’università ha chiuso, però, è tornato in famiglia a Caserta. Ed è da quella terrazza che è partito tutto.

DOMANDA. Come le è venuta l’idea di fare queste imitazioni?
RISPOSTA.
Per caso. Vedevo flashmob ovunque in tivù e sui social.

Un po’ se lo aspettava questo successo?
Assolutamente no. Volevo solo intrattenere il mio vicinato.

Ed è finito ad intrattenere l’Italia dei social. Come ci è riuscito?
Credo sia merito di una mia amica che ha segnalato la mia story a molte pagine.

Quanto tempo le richiede la preparazione?
A livello canoro, come potete sentire, davvero poco. Mi impegno un po’ di più per la ricerca dei look negli armadi di casa. Anche perché non si può uscire.

Si fa aiutare?
Mia mamma mi dà una mano con i costumi, papà nel montaggio delle casse, mentre mio fratello mi riprende.

Dopo Morgan sono arrivati Achille Lauro, Elettra Lambroghini e Loredana Bertè. Chi le è piaciuto di più interpretare?
Forse mi sono divertito di più a (s)vestirmi da Achille Lauro (l’esibizione, che omaggia la partecipazione del cantante a Sanremo 2020, inizia con Michele che indossa una coperta o un lenzuolo a mo di mantello che poi si toglie per rimanere in slip e canottiera, ndr). Che forse è quello che ha avuto più visualizzazioni.

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CI SON CASCATO DI NUOVO. @achilleidol

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Si è fatto sentire qualcuno dei quattro artisti che ha portato sul balcone?
No. Solo Elettra Lamborghini mi ha ripostato nelle sue stories.

Come sceglie chi interpretare?
Devono essere particolari sia dal punto di vista vocale sia dell’immagine.

Quindi non fanno per forza parte dei suoi ascolti quotidiani?
No però i brani di Morgan e di Loredana Bertè mi piacciono molto. Quelli di Lauro ed Elettra non sono il mio genere, ma li ascolto volentieri.

Che cosa ascolta volentieri?
Il rap e la trap americana. Però sono abbastanza onnivoro musicalmente parlando. Il mio cantante preferito è David Bowie che non c’entra nulla con il rap e la trap.

Anche Bowie amava i look appariscenti. Vedremo anche lui?
Ho una rosa di nomi, ma non ho ancora deciso chi fare e quando.

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E il resto? @elettramiuralamborghini

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Insomma effetto sorpresa. Che rapporto aveva prima con i social network?
Pubblicavo pochi contenuti. Usavo Instagram per vedere i profili che mi interessano. Quelli dedicati al calcio e ai meme soprattutto.

È appassionato di calcio quindi. Per quale squadra tifa?
Per il Milan. Pensi che una volta che i video hanno iniziato a girare sono stato contattato direttamente dal capitano Alessio Romagnoli che voleva farmi i complimenti.

Da tifoso deve essere una bella soddisfazione. Altri personaggi famosi che le hanno scritto?
Leonardo Pieraccioni mi ha inviato un audio in cui mi spronava a continuare. Poi Tommaso Paradiso ha ripostato una delle mie esibizioni.

Questa esposizione mediatica (è stato anche in tivù, ndr) le sta cambiando la vita?
Io rimango sempre quello. Certo la gente mi scrive, mi chiede altri video. Molti si aspettano delle cose da me.

Ormai è il re dei flashmob. Mi sorprenderebbe il contrario.
Questo titolo mi diverte molto.

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Chiedo umilmente scusa a @loredanaberteofficial

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Eppure, mi pare di capire, che non ha intenzione di cavalcare questo successo.
Mi hanno contattato alcuni manager, ma ho rifiutato.

Perché? C’è chi farebbe carte false al posto suo.
Io non ho talento, è solo divertimento. Posso pure inventarmi qualcos’altro, ma non andrei molto lontano. Ironicamente ho scritto su Instagram che sono un artista da balcone. Nulla di più.

Cosa le hanno proposto i manager che l’hanno cercata?
Collaborazioni con aziende.

Poteva diventare un passatempo remunerato, non ci ha pensato?
Sì, però avrei dovuto iniziare a fare anche i miei video in un certo modo. Sarebbe diventato più impegnativo. E, visto che la mia priorità rimane l’università, devo essere libero di farli come e quando voglio. Non sotto pressione. Poi, farne uno al giorno diventerebbe pesante per me e per gli altri. Uno o due a settimana sono più che sufficienti. Per lo meno fino a che continuerò a divertimenti e ad avere tempo.

Non è fatto per la vita da influencer. Come sta vivendo, invece, questo clima di apprensione generale per il coronavirus?
Con apprensione appunto. Sa, soffro di asma e mia mamma non mi permette di uscire da più di due settimane.

Sarebbe bello non dover cambiare autocertificazione ogni giorno perché tra un po’ dovremo uscire anche per comprare il toner della stampante

E, oltre a studiare, come occupa le sue giornate?
Mi tengo in forma in giardino, guardo video calcistici e serie tv.

Una che le è piaciuta particolarmente?
Sabrina.

Cosa le manca di più?
Vedere e stare con i miei amici. Le videochiamate non sono la stessa cosa. Poi da un anno non vivo a Caserta. Mi fa un po’ strano stare a casa dei miei genitori. Non che non mi trovi bene. Ma è strano appunto.

Quindi la prima cosa che farà quando ne usciremo sarà una rimpatriata dal vivo con gli amici?
Credo proprio di sì. Anche se penso ci sarà ancora molta paura e cautela per lo meno per qualche mese.

È molto giovane, ma, immagino, stia seguendo quello che succede in Italia anche a livello politico.
Tutto. Mi sembra che il governo stia facendo un grande lavoro vista la situazione d’emergenza. Chiaramente va fatto altro per le partite iva e le piccole aziende. Però dobbiamo lasciarli lavorare. Conte si sta impegnando al massimo.

Non mi dica che anche lei è un bimbo di Giuseppe Conte!
Assolutamente sì. Ecco, però, sarebbe bello non dover cambiare autocertificazione ogni giorno perché tra un po’ dovremo uscire anche per comprare il toner della stampante (ride, ndr).

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Caro Dylan, cosa vuoi dirci con Murder Most Foul?

Dopo otto anni, il cantautore americano torna con una nuova canzone. Sono 17 minuti che non finiscono mai e, al tempo stesso, in un soffio finiscono. Un viaggio nel Novecento, che parte dall'omicidio Kennedy per arrivare ai giorni nostri. Ma qual è il significato? Possiamo scervellarci ma sappiamo già che non ci arriveremo.

Che cosa vuole dirci Bob Dylan con Murder Most Foul, il suo primo pezzo inedito in otto anni, una canzone sola, circolare, ossessiva, non recente, nata chissà quando, ma tempestiva, ma nuovissima, lunga, una canzone sola, ma in realtà un ep, 17 minuti che non finiscono mai e in un soffio finiscono?

Cosa vuole dirci questo Caronte del 1963, anno del delitto più sordido, come da titolo, quello su Kennedy, un volo oscuro che attraversa la modernità del Novecento e arriva fino a noi, alla nostra psicosi da pandemia, e «state riguardati, state attenti, e che Dio vi benedica»?

Cosa vuole dirci Bob, forse che i tempi stanno cambiando, ma per non cambiare mai davvero? Che c’è sempre un trauma nella coscienza collettiva?

Che il Novecento è stato la somma di tutte le evocazioni, le citazioni, le allusioni di questa chilometrica canzone, la più infinita per Dylan. Mille e quattrocento parole, piano, violino e sospiri per dire che il Novecento è stato il secolo breve del furore, del motore, del rumore e della poesia. E gli anni Sessanta, i suoi anni, sono stati quelli della musica, e della poesia, e tuttora ribollono dei Beatles in arrivo, dell’Acquarius con le sue allettanti promesse epocali, delle orge da palco, Woodstock, poi Altamont e gli Stones, i Kennedy fatti fuori uno dopo l’altro, come rockstar cascano, e Tommy e i deliri acidi, e Marilyn, Keaton, Houdini. E poi il blues, Etta James, John Lee Hoker, il blues che è la culla di tutto così come l’Africa è la culla dell’umanità, Thelonious e Charlie Parker, Nat King Cole, ma poi Don Henley, Glenn Frey, Stevie Nicks, su e giù nel tempo, il suo tempo, il nostro tempo.

LA VOCE DEL NOVECENTO

E quel violino che tira le note, e quella voce che salmodia ed è la voce del Novecento: un ringhio, un ronzio, un motore. Suona Don’t Let Me Be misanderstood, suona per la First Lady, non sta tanto bene, suona Another One Bites The Dust. Suona il Novecento, Sam, suonalo ancora, che siamo figli suoi e non ce ne liberiamo, e proprio come le macchine di domani andranno a silenzio, a elettricità, e ci finiremo sotto nel silenzio spettrale che oggi ci ammazza, ci mancherà però la nostra colonna sonora del motore.

LA STORIA È UNA CATENA DI TRAUMI

E Dylan quel motore, quel rumore, è tutti noi e lo sa e ricorda. Ricorda l’omicidio di Kennedy e un viaggio supersonico per l’epopea di quelli come lui che hanno segnato il secolo e adesso, sulla soglia degli 80 anni, vengono a dirci che la storia è una catena di traumi, nessun anello mancante, formidabili traumi, guerre dichiarate, guerre fredde, guerre perse, pandemie. E silenzi che ti scavano, ti infettano, ti uccidono, silenzi perfetti e allora Bob Dylan apre il cassetto, tira fuori questa suite che non finisce mai e ti lascia intontito, ti riempie un pomeriggio desolato, tu e la tua mente deserta mentre cerchi di decifrare cosa cazzo vuol dirti Bob.

CARO DYLAN, SEI SEMPRE TU: INVADENTE E INAFFERABILE

Ma è già finita quest’inferno di canzone e allora la rimetti da capo, altri 17 minuti, le stesse parole che però dicono altro. Ah, Dylan: sei sempre tu, invadente e inafferrabile, «certo, certo che lo sappiamo, lo sappiamo chi sei», sei il nostro rompicoglioni prediletto, la nostra coscienza pulita e sordida e te ne freghi del Nobel. E, a 80 anni, pubblichi in digitale un brano solo sapendo che fa girare il mondo, oggi come sessant’anni fa. Dico 60, non ti sbagliare, credici pure, perché è la verità: «i Beatles stanno arrivando, ti terranno la mano», un bel giorno per vivere e morire, macellato come un agnello sacrificale, e domani è ancora Pasqua. Ma quale Pasqua, di non resurrezione, di clausura, di alienazione. E fuori i fiori rosa, fiori di pesco spuntano ma non per noi, pesci dentro i vetri delle nostre case.

CI RIMANI SOLO TU, BOB

E suonala ancora Bob, che oggi ci rimani solo tu. Ma oggi chi ce la tiene la mano, oggi che sbandiamo in una guerra che non conosciamo, tempo di mutaforma che fottono le genti, fottono i governi, mattoni e cemento, mattoni e cemento. Ecco il Novecento: canzoni in formato digitale, canzoni pubblicate e in un lampo globali, Cry Me A River, che crimine infame, però, suona Jerry Roll Morton, suona Lucille. Suona il Novecento che tanto non ne usciamo, suona questa ridda di spettri, questa libertà vigilata, sorvegliata dai droni e dagli spioni, dalle delazioni, da cartoni al posto di mascherine, da suoni di silenzio che accoltellano il cuore, «è quello che è, ed è il crimine più lurido».

POSSIAMO SCERVELLARCI SU COSA CI VUOI DIRE MA SAPPIAMO CHE NON CI ARRIVEREMO

Forse questo vuoi dirci, caro Bob, che la vita è quella che è, ed è tutta un crimine squallido, e qui nessuno cercava la tua voce di cornacchia, nessuno l’aspettava ma adesso che è tornata è una benedizione. Possiamo scervellarci su cosa ci vuoi dire e sappiamo già che non ci arriveremo. A niente arriveremo. È quello che è. Tu sei quello che sei. Ma è ancora bello farsi trasportare indietro, la tua poesia petulante vaneggiante piena di incognite, il piano e il violino e scie di piatti, non serve altro per volare via da questa epidemia. Chiudi gli occhi, metti la cuffia, spegni tutto e suonala ancora, Bob, che 17 minuti finiscono in un amen. «Fate attenzione, cercate di star bene, e che Dio vi accompagni».

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Il mondo dello spettacolo live in ginocchio

Sta per nascere un’associazione che raccoglierà le aziende di service campane poichè, nel nostro paese vi sono pochissime tutele per i lavoratori di questo settore

Di OLGA CHIEFFI

In questi giorni, in cui sembra che il mondo stia crollando davvero, perlomeno in gran parte del nord Italia, i “teatranti”, commedianti, musicanti, tecnici o più in generale lavoratori dello spettacolo, dalle bande da giro, ai grandi spettacoli di piazza con artisti nazionali e internazionali, sono stati messi al bando: da quando l’epidemia di Coronavirus ha colpito il Paese, i conseguenti provvedimenti cautelativi, hanno determinato la chiusura di teatri, cinema, nonché dei locali, con l’ovvio annullamento di spettacoli e concerti, in tutte le regioni colpite maggiormente dal virus. E se per molte categorie ciò ha significato lo smart working, la malattia, la riduzione delle ore di lavoro, non per tutte ovviamente, per i lavoratori dello spettacolo è significato perdita di lavoro e di danaro in toto.  Si è già scritto molto riguardo al possibile impatto negativo delle misure per contenere il Covid-19 sul turismo, l’industria, il commercio e i prodotti di esportazione. Tra i settori più colpiti però, c’è anche quello della cultura e degli spettacoli dal vivo. Finora, ne hanno sofferto i teatri, i cinema, le sale da concerto. Secondo le prime stime dall’Agis (Associazione generale italiana dello spettacolo), basate sui dati della Siae, in Italia nei giorni scorsi sono stati cancellati 7.400 spettacoli. Nel settore musicale è stata registrata una perdita di 10,5 milioni di euro. Assomusica, l’Associazione degli organizzatori e produttori di spettacoli di musica dal vivo, ha stimato che nel solo settore musicale è stata registrata una perdita di 10,5 milioni di euro e sulle città che avrebbero dovuto ospitare gli eventi cancellati c’è stata una ricaduta negativa di almeno 20 milioni di euro. Dietro i performer ci sono i services, ovvero professionisti altamente specializzati e invisibili, tecnici del suono, tecnici delle luci, attrezzisti, coloro i quali montano e smontano quei super palchi nelle piazze o negli stadi. Erano invisibili, usiamo l’imperfetto, perché tra breve non lo saranno più poiché: sta per nascere l’Associazione Service Campania, proprio per stilare un piano d’azione collettivo e condiviso per uscire dal dimenticatoio. “La crisi del Coronavirus – afferma Raffaele Vitale – ha portato allo scoperto ancora una volta la fragilità del nostro comparto lavorativo, fatto di troppe differenze contrattuali, troppo deboli e senza nessuna garanzia. Ancora una volta lo abbiamo constatato sulla nostra pelle a partire dal 24 febbraio scorso, quando è stata sospesa per decreto qualsiasi “manifestazione e iniziativa che comporti l’afflusso di pubblico”. Da quel giorno ci siamo ritrovati in migliaia senza reddito, senza la possibilità di far fronte alla quotidianità, senza nessuna prospettiva di attraversare dignitosamente questo momento di emergenza; un’emergenza per noi cronica che si è semplicemente acuita e che subito si è trasformata in profonda crisi. Questa proposta di associazione, con un valido statuto e un direttivo, nasce da un’idea mia, subito condivisa da aziende quali la Ruotolo Service, la Faraso Service, la Landi, e il cartello ora include ben 130 soci, coi quali c’impegneremo per superare questo momento nero e farci regolarizzare, quando riprenderemo a lavorare”. Infatti, la maggior parte delle lavoratrici e dei lavoratori del settore hanno contratti a intermittenza, ferie non garantite, permessi, malattia ed infortunio. E’ questo un settore che patisce endemicamente la precarietà del lavoro, che non garantisce in alcun modo la continuità salariale e nessun accesso agli ammortizzatori sociali. La sfortunata contingenza di questa crisi deve essere il punto di non ritorno per immaginare, elaborare e costruire un nuovo modello per il comparto lavorativo del mondo dello spettacolo, dell’intrattenimento, dell’arte e della cultura. Un modello nuovo che abbia al centro la dignità della vita dei lavoratori e delle lavoratrici. Questo è il momento giusto per imporre sull’agenda pubblica l’annosa problematica che, si deve trasformare in una proposta e in una piattaforma di rivendicazione, a cominciare dall’ accesso ai fondi di cassa integrazione in deroga emanati dal Governo per far fronte ai primissimi tempi di crisi da Coronavirus, all’introduzione di un reddito di quarantena immediato per tutte le lavoratrici ed i lavoratori colpiti dalla crisi, da articolare in forme di indennizzo, agevolazioni fiscali e contributive, sostegno al pagamento delle spese e delle scadenze come bollette e mutui.

Consiglia

Gigaton, il ritorno al passato dei Pearl Jam

Dopo sette anni, la band sforna un disco che al primo ascolto sembra sperimentale e introspettivo. Ma che in realtà ripropone il loro modo di fare musica animato dalla smania di cambiare il mondo.

Da quanto tempo i Pearl Jam non sono più loro? Mai visto un gruppo rinnegarsi tanto in tutta la storia del grunge, quel fantastico esordio alla fine del 1991, Ten, era un miraggio, un disco di non canzoni, divagazioni allucinate, malate che partivano in tutte le direzioni.

Poi, una inesorabile normalizzazione, dapprima impercettibile quindi sempre più marcata, lo spartiacque fu, un lustro più tardi anni, No Code, disco sperimentale per eccellenza.

Anche il nuovo Gigaton è in fregola di esperimenti, ma attenzione: non è tutto nuovo quello che luccica. Sette anni che mancavano i Pearl Jam, quasi a dire da Bush Jr a Trump. Come se il lungo regno di Obama li avesse evirati dell’ispirazione, che nel loro caso fa rima con indignazione.

Piovono, oggi, nel pieno di una pandemia e hanno buon gioco nei loro messaggi sull’urgenza di cambiare mondo, vita, sui cambiamenti climatici, sul consumismo, tutte quelle faccende, a volte di buon senso a volte esagerate o lunari, che si ripetono sempre. Disco di allarmi, Gigaton, fin dal titolo: è la misura della quantità del distacco di ghiaccio ai poli. Lungo disco di inviti a regolarsi per non perire, quindi, al fondo, di speranza. Ma per cosa?

LA NOVITÀ STA NELLE VIBRAZIONI, NON NELLE CANZONI

Dodici tracce a coprire un’ora di suoni secchi e puliti, nitidi, opera del nuovo produttore Josh Evans, uno che nel mito di Ten ci è cresciuto, un 40enne; quanto a loro, i cinque di Seattle davvero non hanno più niente dei ragazzi emaciati e drogati di allora, sono maturi professionisti imbiancati, con gli occhiali, che dopo il delirio planetario hanno saputo risorgere da un brusco calo di attenzione proprio con questo lavoro, annunciato in largo anticipo e con una campagna pubblicitaria potente, nel segno di quel falso basso profilo che da sempre contraddistingue il gruppo. No, non è tutto oro questo sperimentare: lo potreste definire coraggio.

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E Gigaton, coraggioso, ambizioso lo è senz’altro, ma lo potreste definire anche disperato e a tratti confuso conato per non sparire. Le novità stanno nelle vibrazioni, nei suoni. Non nelle canzoni, che, idealmente sfrondate, restano classiche dei Pearl Jam, sì, ma quasi sempre della fase matura. Comprese le invettive politiche, tutto l’album è uno scontato lungo invito al disprezzo del parruccone pel di carota, certamente condiviso dall’intera band ma, di fatto, trainato dal cantante, Eddie Vedder, uno che si vede immancabilmente iscritto alla sacra armée benpensante degli altri parrucconi, i Bono Vox, gli Sting, i Boss. A suon di rock maturo o, come piace definirlo, “consapevole“.

L’ETERNA QUESTIONE SULL’ETÀ DEL ROCK

Il ritorno dall’oblio si annuncia con Who Ever Said, sostenuta, non particolarmente d’impatto, ascrivibile alla fase Binaural: ci sono tante chitarre, questo sì, perché Evans ne è un fan e ha inteso irrorarne l’intero album, per un Vedder salmodiante come non mai che invita a «imparare dagli errori»: e già si capisce cosa ci aspetta, moniti travestiti da rabbia; Superblood Wolfmoon che segue, rimanda sia nel nonsense delle liriche che nel tiro a certi echi di Vitalogy, è più dinamica, ricamata da un assolo inebriante, forse un po’ troppo scolastico per esaltare fino in fondo. Ma i Pearl Jam ormai sono dei vecchi lupi, dei mestieranti impeccabili e non potrebbero suonare in altro modo.

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Poi la famigerata Dance of Clairvoyants che sa di elettropop, di Talkin’ heads, e che Evans difende come testimonianza della assoluta libertà creativa dei musicisti, ma che, come primo singolo, ha scandalizzato parecchi tifosi; Quick Escape è un convulso viaggetto on the road, destinazione Nord Africa e Medio Oriente, alla ricerca di «un posto che Trump non abbia distrutto», sostenuto dalla chitarra ritmica e contrappuntato da tocchi di tastiera e stridori vari: non a caso cita Kerouac e anche qui abbiamo un lungo assolo, più anarchico, in stile Ten, come a voler ricordare a tutti un come eravamo che in realtà non è più, lasciando irrisolta l’eterna questione se il rock debba restare pericoloso, dunque adolescenziale almeno nello spirito, oppure se a un certo punto sia chiamato a crescere, a invecchiare anch’esso. Vero è che il tempo non aspetta nessuno e allora conviene confonderlo, riscrivendosi fin che si può.

Eddie Vedder (Getty Images).

LA TROPPA INTROSPEZIONE PUÒ SCIVOLARE NELLA NARCOSI

Alright è un canto quasi indiano, canto di ribellione, ballata d’atmosfera che insegue antiche suggestioni: parte sommessa, bradicardica, per ascoltare meglio il battito della solitudine, e poi…poi si estenua, senza evoluzione, lasciando qualche amaro in bocca; ne prende il posto Seven O’ Clock, che, col pretesto di citare i leggendari capi delle tribù dei nativi, si concede un gioco di parole sul “Sittin’ Bullshit“, che idiomaticamente viene a dire “stronzone seduto” e non c’è bisogno di scervellarsi per capire quale sia il destinatario (sta a Washington…): innervata di tastiere, suona come la tipica canzone militante di Vedder e trattiene ancora i palpiti (quanto è prolissa, però!). Finalmente Never Destination smuove le acque ed era ora, perché la troppa introspezione rischia di sprofondare nella narcosi: bello l’intreccio delle chitarre, a sfociare in un vero e proprio duello, di Stone Gossard e Mike McReady, anche se l’ispirazione forse cede alla maniera; Take The Long Way l’ha scritta il batterista Matt Cameron e vira sul (post) punk o sul grunge vintage, se preferite: è comunque uno dei momenti migliori, teso, senza troppi fronzoli e con un assolo di schegge di vetro.

COMES THEN GOES, OMAGGIO A CHRIS CORNELL

Buckle Up è invece un arpeggio alticcio di Stone Gossard e qui si coglie una delle specifiche del disco, le sue atmosfere che cangiano di continuo: un punto a favore, perché la musica può avere tutti i difetti del mondo ma se non conserva carisma è niente e Gigaton a suo modo, orgoglioso lo è, non ha paura di osare, sia pure in quel suo modo a volte furbo, oppure arzigogolato, che ai fan oltranzisti farà urlare di esaltazione mentre i tiepidi, gli scettici non ne saranno del tutto convinti. Tante idee appaiono accuratamente sfocate, e poi troppo forte resta il rimpianto per quell’esordio impossibile, così spaventosamente libero, di 30 anni orsono; Comes Then Goes, tutta acustica, dovrebbe essere l’omaggio per Chris Cornell: solo che un pezzo completamente acustico o è un capolavoro o è una palla e Vedder non è esattamente Nick Drake o Gram Parson, e neppure Springsteen, così come i Pearl Jam non sono i Rolling Stones di Beggar’s Banquet. Questione di tempi, di radici e anche di talento, questo sembra più un demo con una sola frase musicale, circolare, interminabile e tanto più noiosa.

SONO COME UN DON CHISCIOTTE SPOCCHIOSO E APPASSIONATO

Siamo entrati nell’ultima parte di questo prolisso album, tre ballate di fila a chiuderlo, nessuna delle quali memorabile: Retrograde – com’è impietoso il tempo anche per lei! – è carica di aspettative ma, più sermoneggiante che mai, evapora in una lunga dilatazione che si trasfonde nell’epilogo di River Cross, organo a pompa e infiorescenze di Genesis per l’ennesimo contropelo al «governo che prospera sul malcontento»: la messa è finita, andate in pace. Più parrocchia che rock, i Pearl Jam del 2020 sono ancora un don Chisciotte, spocchioso e appassionato, retorico e partecipe, ora irritante ora trascinante, che sale sul destriero e parte in tutte le direzioni, anche se non è ben chiara la meta: forse non c’è e questo è un viaggio che non finisce mai. Non deve. A chi ascolta la scelta: seguirli, a rischio di perdersi, o scendere qui. Ma Gigaton rimane comunque un bel disco. Non un capolavoro, ma il meglio possibile oggi per loro. E poi cosa sarebbe il mondo senza smania di cambiarlo, cosa sarebbe la vita senza la sua foresta di miraggi?

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La quarantena secondo Cristina D’Avena: «La musica come antidoto per l’ansia»

La cantante è a Milano con la sua famiglia. Ha paura, ma evade da questo senso di frustrazione tenendosi impegnata con i fan sui social, in cucina e guardando serie tivù. «Vorrei riuscire a trovare le parole giuste per confortare i miei amici medici e infermieri». L'intervista.

Cristina D’Avena non si vergogna ad ammettere che il coronavirus le fa paura. «Sono in ansia. Vivo reclusa con la famiglia e seguiamo le notizie ogni giorno», mi dice.

Eppure la sua voce non perde quel non so che di rassicurante e vivace a cui le sigle che canta ci hanno abituati. «Sono a Milano con la mia famiglia, rispettiamo le regole in modo da ridurre il rischio di contagio, ma la situazione è paradossale», spiega.

La sensazione della cantante è quella di chi dalla sera alla mattina si ritrova in un tunnel buio: «Cerco di barcamenarmi sperando di vedere in fondo la luce. Perché sono certa che ci sia. Bisogna solo trovarla». A darle speranza sono i dati sui contagi e i decessi degli ultimi giorni, ma non è facile.

TRA SERIE TIVÙ E FORNELLI

Il suo antidoto per evadere da questo senso di frustrazione è tenersi occupata: «Avrò sistemato l’armadio quattro o cinque volte», racconta ridendo mentre fa la lista di tutte le altre cose che le riempiono la giornata. «Scrivo. Leggo. Penso a nuovi progetti. Faccio tante videochiamate». E poi, da quando ha scoperto di avere una collezione di libri di ricette, cucina. Le chiedo se si sente pronta per Masterchef o qualche altro cooking show, ma non mi sembra convinta. Però la televisione la guarda. Le piacciono molto le serie tivù, meglio se thriller. «Adesso sto guardando The Outsider: è un po’ lenta, ma mi appassiona. Poi mi sto portando in pari con The good doctor e La casa di carta».

NON SOLO SIGLE DI CARTONI ANIMATI

E la musica? Da quello che mi dice non manca mai. Nella sua playlist ci sono artisti italiani come Tiziano Ferro, Antonello Venditti, Renato Zero, ma anche nomi più inaspettati come Enya. O ancora dj del calibro di David Guetta e Bob Sinclair: «Sinclair mi fa impazzire, lo metto sempre quando ho voglia di ballare».

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La cantante Cristina D’Avena.

DOMANDA. Se Cristina D’Avena non va alla discoteca è la discoteca che va da Cristina D’Avena. E i vicini non si lamentano?
Ormai sono abituati. Pensi che una di queste sere ho cantato col microfono «Ciurma, andiamo tutti all’arrembaggio, forza!» (intona la sigla All’arrembaggio, ndr) alle 23.30.

Col microfono?
Stavo facendo una diretta con i miei fan. Credo sia giusto fare loro compagnia in questi giorni di isolamento. Loro la fanno a me. Almeno alterniamo l’informazione alla spensieratezza. Poi sa, mi dispiace per tutti quei ragazzi che avevano preso i biglietti per i miei concerti, che avevano chiesto le ferie, programmato voli e spostamenti magari facendo sacrifici. E da un momento all’altro si sono visti cancellare tutte la date previste.

Non solo i concerti annullati, ma anche la quarantena.
Infatti, magari anche da soli. Per questo provo a regalare a loro qualche momento di leggerezza. Cantiamo tutti insieme. Ognuno da casa propria. O per lo meno questa è l’impressione che io ho durante questi incontri virtuali. Perché la musica arriva ovunque. Anche in questa situazione.

Lo testimonia anche l’iniziativa dei balconi canterini. Lei partecipa?
Dove mi trovo io ci sono davvero poche abitazioni. Ci sono soprattutto uffici. È una zona molto silenziosa. Però quest’abitudine mi piace tanto. Penso sia utile. A volte davvero non sappiamo nemmeno il nome di chi vive nel nostro palazzo e in questo modo abbiamo la possibilità di conoscerci. Sa, i social sono tanto utili (come stiamo vedendo in questi giorni), ma alla fine spesso ci allontanano.

Non l’allontano però dai suoi fan dicevamo. Di che cosa parla con loro?
Di tutto. Anche di come stanno vivendo la quarantena. Per molti è davvero difficile.

Vorrei trovare le parole per confortare i miei amici medici e infermieri

Cosa le dicono?
Molti vivono in case molto piccole, senza magari determinati comfort. Certo l’emergenza c’è. E dobbiamo aiutare chi ci aiuta.

Medici e infermieri?
Ne conosco diversi e quando mi raccontano quello che vivono quotidianamente non riesco a non piangere. Mi sento a disagio perché vorrei confortarli, ma non riesco a trovare le parole giuste. Mi sembra tutto riduttivo. Quindi finisce che li faccio sfogare e li ascolto piangendo.

Forse è spaventata anche per quello che le dicono loro. Non esce nemmeno per fare la spesa?
Andiamo a turno, ma il meno possibile. Peccato che ormai non si trovi mai tutto ciò che ci serve e che gli acquisti online abbiano delle tempistiche di consegna molto dilatate.

È riuscita a trovare le mascherine?
Fortunatamente le ho prese un po’ di tempo fa. E, siccome sono ormai introvabili, le teniamo disinfettate.

Come giudica l’azione del governo in questa situazione d’emergenza?
Non vorrei essere al loro posto. Non è facile. Io non me la sento di esprimere un’opinione in merito. Non credo di avere le competenze per farlo.

Stiamo riscoprendo il valore degli affetti e del contatto fisico che forse davamo per scontati

Ci cambierà quest’esperienza?
Credo di sì. Forse lo sta già facendo.

Come?
Stiamo riscoprendo certe cose che davamo per scontate. La famiglia, la casa, gli affetti, il senso di comunità. E il contatto fisico. Pensi agli abbracci, i baci, la stretta di mano. A me mancano tantissimo gli abbracci dei fan.

Diventeremo anche più patriottici?
Io credo di sì e magari al posto di andare all’estero (io lo faccio poco perché ho paura dell’aereo) visiteremo i luoghi del nostro Paese. Dobbiamo iniziare a valorizzarci ed essere uniti tra di noi.

Cosa farà appena finirà la quarantena?
Chiamerò tutte le persone a cui voglio bene e cercherò di vederle tutte. E poi io amo molto camminare all’aria aperta.

Per salutarci ci consigli uno dei cartoni di cui ha cantato le sigle che dovremmo recuperare durante questo periodo di reclusione.
Pollyanna perché è un personaggio sempre positivo e ottimista. Ritrova sempre il sorriso.

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In punta di bacchetta con Vincenzo Cammarano

Una famiglia musicale quella del clarinettista e direttore di Camerota, raccontata dai figli Leo, compositore e Daniela, violinista

Di Leo e Daniela Cammarano

Sono “impressioni incancellabili”, per usare le parole di Eugenio Montale, nella sua recensione del Boris di Rimskij Korsakov diretto da Gianandrea Gavazzeni, quelle che offre il M° Vincenzo “Enzo” Cammarano, sia che si ascolti una sua marcia sinfonica o che si lasci andare alla testa di un’orchestra o della sua amata banda, che lo vede sin da giovanissimo, evocare Carmen, Violette, Manon, Butterfly, Mimì, con gesto largo e calmo quasi a voler “cavare” il suono e l’impasto, strumento per strumento, attraverso le sue mani, o anche passeggiando per le storiche strade della sua Camerota. Una famiglia musicale come la maggior parte del territorio cilentano, che ha offerto al mondo musicale splendidi talenti, a cominciare proprio dai figli d’arte del M° Enzo Cammarano, Leo, compositore e direttore e Daniela, eccellente violinista, che oggi ci accompagneranno alla scoperta del mondo musicale e non solo del loro padre e mèntore.

“La mia esperienza con la musica inizia presto – racconta Leo -. Nella mia famiglia è così (e lo vedo tuttora con i miei nipoti), non c’è giornata che non preveda almeno “un ascolto”, una discussione o una riflessione su qualche aspetto musicale. Quest’aura, questo “senso del quotidiano” mi ha accompagnato sempre ed è grazie ad essa, che vivo con naturalezza la mia passione-lavoro, anche nell’insegnamento. Come in ogni percorso formativo che si rispetti, ho vissuto difficoltà, delusioni, piccole vittorie, battute d’arresto e, fortunatamente, anche soddisfazioni notevoli. Mio padre è stato il motore costante della mia passione per la musica, mi ha guidato passo dopo passo, severo, ma sempre presente, dotato di un senso musicale che pochi possono vantare. Quando avevo circa un paio di anni, mi permise di imparare le note ed i primi rudimenti della teoria musicale escogitando un sistema di colori e forme e, ancora oggi, è un riferimento imprescindibile nelle mie scelte musicali e non. Nel corso degli anni, come è naturale che sia, soprattutto nell’adolescenza, ci sono stati momenti di contrasto. Col tempo ho capito che le sue parole erano sempre motivate dal fatto che il suo “sguardo” copriva una distanza maggiore del mio. Si! lui guarda sempre lontano, pensa sempre a dieci possibili scenari. Ritengo che potrebbe essere un ottimo giocatore di scacchi. Nonostante un percorso di studi che mi ha condotto anche verso ambiti nuovi e sperimentali, il confronto e le riflessioni permangono. Come ogni buon maestro, ovviamente, mi ha sempre detto di “rubare da lui” quello che ritenevo più utile alla mia evoluzione musicale, non possono e non devono esistere dei cloni, ogni musicista è un’entità musicale autonoma, guai a ricalcare qualcun’altro, nella prassi esecutiva, nella composizione, piuttosto che nella direzione d’orchestra. Come insegnante cerco di trasmettere ai miei allievi l’importanza di questo concetto, guidandoli verso una continua riflessione sul perché delle cose, senza sterili nozioni e cercando di trasmettere loro la mia passione per la musica, perché se c’è passione, non esisterà sacrificio o noia nel dedicarsi al proprio compito (altro insegnamento di papà!).Un’altra figura di cui non posso tacere l’importanza nel mio percorso musicale è mia sorella Daniela. Per la sua devozione alla musica, per la sue straordinarie doti e per i consigli che ha saputo donarmi. Un ciclone di musicalità, non saprei definirla diversamente. Mio padre, mia sorella Daniela sono imprescindibili, ma, in maniera assolutamente straordinaria, tutta la nostra famiglia partecipa “in coro” alla nostra vita musicale sostenendoci e consigliandoci. Per quanto mi riguarda, la mia famiglia è come una commissione di consulenza nelle varie fasi redazionali delle mie composizioni. Ascoltano, commentano e danno suggerimenti persino nel caso di brani più sperimentali o acusmatici. Famiglia Cammarano, non potrei chiedere di meglio!”.

“Wow che compito descrivere il perché – rivela Daniela – del mio amare così profondamente ciò che faccio. Tutto comincia proprio da mio padre, da quest’uomo in cui ogni cellula del corpo, ogni respiro, ogni movimento è Musica, è amore per la vita e gratitudine per aver potuto vivere di ciò che più ha amato, trasmettendolo a noi, come una delle più grandi eredità che un genitore possa donare ai propri figli. Ricordo ogni attimo dei primi momenti di questo cammino affrontato insieme, i pomeriggi a “giocare” con la Musica, e a provare a conquistare il cuore di questo uomo che rappresentava e rappresenta tutt’oggi il mio punto di riferimento. Non è stato semplice capire quanto veramente mi appartenesse questo mondo, essere sempre lì esposti, però riusciva a farmi sentire sempre più forte, sempre più autentica ed ecco perché non ne ho potuto più fare a meno. Girare il mondo, emozionarmi sui più importanti palchi internazionali e portare nel mio cuore la mia famiglia, gli occhi severi e profondi di papà, il cuore dolcissimo di mia mamma, i sorrisi di mia sorella, la preziosa serietà di mio fratello e la bellezza e l’ingenuità splendida dei miei nipotini, mi hanno permesso di diventare ciò che oggi sono nella mia Musica. Papà è un direttore d’orchestra superbo, le sue braccia “suonano” da sole, e per me che sono spalla posso dire che raramente mi è accaduto di poter vedere ciò. Ricordo le sensazioni che provavo ogni volta che lo vedevo salire su quel palco, ricordo la mia fierezza ed il mio senso di appartenenza a lui che si acuiva volta per volta, donandomi una risorsa incredibile, dalla quale ho attinto le mie Energie nei momenti complessi della mia vita. Leo e papà sono davvero i due geni assoluti di casa, io un po’ colei che si rispecchia nella loro perfezione, rubandone appena possibile i segreti. Il difetto principale del mio papà è di essere severo, prima di tutto con se stesso e ciò spesso ci ha portato a discutere. Ma che dire, ora sono come lui, se non peggio, e capisco che è la sola strada per ottenere ciò che si desidera senza scendere a compromessi con nessuno. Amo il mio papà. Non avrei potuto chiedere di meglio”.

Consiglia

Una Stagione lirica particolare

Lira Tv apre i suoi archivi e offre cinque titoli andati in scena sul palcoscenico del teatro Verdi tra il 2008 e il 2015. Sabato alle ore 22,30 la Traviata firmata da Franco Zeffirelli con la coppia Massis e Bruson

Di OLGA CHIEFFI

Il mondo della musica classica non si arrende e non si ferma, nonostante il coronavirus. Teatri grandi e piccoli, in Italia e all’estero, stanno trasferendo i loro concerti online e invitando a partecipare, gratuitamente, un pubblico virtuale. Dalla Metropolitan Opera House di New York alla Filarmonica di Berlino fino alla Fenice di Venezia: tante le opere e gli spettacoli fruibili comodamente dal divano di casa. Un modo per combattere l’isolamento e sentirsi meno soli.  “Anche il teatro Verdi di Salerno – ha affermato il M° Antonio Marzullo – ha pensato di mettere in onda un florilegio delle più applaudite produzioni andate in scena sul palcoscenico del massimo cittadino tra il 2008 e il 2015. A pochi giorni dal 10 aprile, in cui si sarebbe risollevato il sipario del Morelli sulla grande musica, la decisione da parte della direzione artistica del Teatro Verdi di donare una stagione “televisiva” ai melomani salernitani, con la messa in onda di alcune opere liriche che l’emittente Lira Tv aveva ripreso ed ha disponibili nei propri archivi. Un augurio affinchè ci si possa riabbracciare al più presto nel salotto culturale di Salerno”. Il debutto è in programma domani alle ore 22.30 e replica domenica 29 marzo alle ore 18.00  con la indimenticabile edizione de’ “La Traviata” firmata dal binomio Zeffirelli-Oren, datata 2008. Riprendendo un’idea già sperimentata, Zeffirelli fa alzare il sipario sullo struggente preludio mostrandoci la morente Violetta che nel letto del dolore rivive in un lungo flashback la propria esistenza. Di qui il doppio binario su cui scorre visivamente l’opera: da un lato le scene festose, di massa, dall’altro quelle intime, dell’amore vero, tanto nude e spoglie quanto le altre sono rutilanti, gremite, movimentate e volutamente volgari, forse perché nel ricordo tutto si esalta e si ingigantisce. Ecco perciò l’eccesso di comparse, di figuranti, di luci, di cuscini, di candelabri, di tendaggi nella casa di Violetta al primo atto e, nel secondo, in quella di Flora, affollata sapientemente non soltanto da matadori e zingarelle, ma anche da maschere della Commedia dell’Arte, giocolieri, funamboli, spiantati nobiluomini, ricchi borghesi, donnine allegre e compiacenti in fantasiosi costumi, il tutto in una luce rossiccia diffusa da una fantasmagoria di globi rutilanti e caleidoscopici. Qui rivive la Violetta immersa “di voluttà nei vortici” mentre l’altra, la santa per amore, si purifica nella spoglia semplicità della casa di campagna, fino ad apparire, quasi estatica, vestita di una candida tunica ed immersa in una luce celestiale nel finale del secondo atto, dopo il violento insulto di Alfredo. Ma è ancora il letto del dolore ad accoglierla nell’ultimo atto dell’opera e della sua esistenza, con taglio oreniano secco sulla caduta in terra di Violetta sulla parola “oh gioia!”. La Violetta di Annick Massis ci riporterà vicino all’arte del prendere i fiati, di governarli più per segreta intelligenza che per tecnica, per il senso, l’espressione corporea della sua voce, per il suo gioco d’emissione, le difficili colorature. Non manca ad Alexey Dolgov, il quale indossa i panni di Alfredo, la baldanza tenorile, ma non la coloritura delle ombre, tristemente presaghe nelle dolorose riflessioni cromatiche sin dall’inizio. La Traviata vivrà il suo momento più alto certamente nel secondo atto, in cui troneggerà su tutto e tutti il Giorgio Germont di  Renato Bruson, che rinnoverà il sempre più raro piacere di sentir cantare sui fiati, facendo veleggiare la voce sul respiro, rendendola duttile e docile ad ogni sfumatura espressiva, che avrà il suo picco in “Piangi…..piangi!”. Daniel Oren ha l’ istinto e la razionalità dei giusti tempi sia in senso strettamente musicale sia sotto il profilo drammatico sia, infine, nel rapporto con la tradizione; la sua tendenza alla sobria o concitata serratezza si accompagna alla rara capacità di dar aria al canto, nel rallentare e impellere in ciò che è accompagnamento solo di nome. Il complesso salernitano ha acquisito sotto la sua guida e, con i dovuti rinforzi esterni, il rango di grande orchestra sinfonica; di rifinitissimo suono le prestazioni dell’ oboe e clarinetto soli, come dei flauti. Il cartellone di Lira Tv ci accompagnerà fino al 26 aprile con altri quattro titoli. Il 4 e il 5 aprile, si potrà assistere la Tosca del 2015, l’ 11 e il 12 aprile, Cavalleria e Pagliacci del 2011, il 18 e il 19 aprile il Barbiere di Siviglia 2010 e gran finale, il 25 e il 26 aprile con la  Carmen del 2010.

Consiglia

Mina, 80 anni di un mito atemporale

Nel panorama creativo c'è la meteora, la cicala che canta una sola estate. C'è chi vivacchia sull'onda di un successo, e dopo tira a campare. E poi i bravi, che si difendono, si amministrano quanto possono, poi s'arrendono. Salendo nella massima serie ci sono i campioni, le campionesse buoni, ottimi per tutte le stagioni. Poi c'è lei.

È sempre il tempo di Mina. Ottant’anni senza età, e pare incredibile: lei ha smesso d’invecchiare da giovane, quando scomparve dopo l’ultimo concerto del 1978 alla Bussola. Una sola frase: «Mai più». Mina e non più Mina.

Da allora, s’amministra. Vive nel tempo senza tempo, cavalca epoche, rilascia ologrammi di sè. Mina è un eterno Techetechetè che conferma la fatale percezione: di Mina mai più un’altra, quella che c’è sarà per sempre. La migliore di tutti, la migliore in tutti i sensi e a dispetto delle epoche vederla, ascoltarla è esperienza che travolge gli oceani d’inchiostro, i deserti di parole versati su di lei.

Difficile aggiungere qualcosa, eppure proviamoci, partendo dalle intriganti percezioni che confessò Luca Goldoni: quella silhouette sinuosa ed elastica, un anno filiforme al limite dell’allarme, quello dopo rotondetta abbastanza da indurre turbamento, poi di nuovo eterea, tutta acconciatura su nei, e così via per la carriera intera; sulle doti, a che pro infierire quando Louis Armstrong la definiva «la più grande cantante bianca del mondo» (e Renzo Arbore chiosava: «Nera, no; bianca, sì»)?

UN GRANDE SUCCESSO MA SENZA PRENDERSI MAI TROPPO SUL SERIO

Quel che appare dai nostri personalissimi Techetechetè suggerisce tuttavia pensieri laterali: una modernità della ragazza che è atemporalità, la perfetta padronanza di sé, del mezzo e della circostanza, per esempio a tu per tu con un malizioso Sandro Ciotti: «“Ma che cattivo che sei». Si dirà: ma erano tempi sfacciati, anche le altre non scherzavano, prendi una Patty Pravo. Sì, ma Patty, come chiunque altro, voleva esserci, voleva piacere, imporsi, Mina non pareva preoccuparsene affatto, come chi si dà per scontato (il genio, diceva Goethe, presuppone la coscienza di esserlo).

Mina nel 1961 (foto LaPresse).

Con Ciotti, Mina non gioca alla femme fatale, gioca di rimessa, un catenaccio insidioso che sfocia in contropiede: già aveva sfidato, e vinto, i benpensanti, la morale chiesastica, coi suoi legami discussi, il primo figlio che prescindeva da calcoli di bottega. Salvo presentarsi così, a buriana chetata: «Io domando a voi: vi sono mancata?». Certo, Mina sa come manipolare i media: ma sia chiaro che, quando li manipola, vuole dimostrarlo; ci mette un sovraccarico d’ironia. Il suo livello più sottile, invece, qui la sua atemporalità, cova in quell’apparente sottrazione, quello schermirsi sull’argine dello schernirsi, del non prendersi sul serio, ma per finta. Totalmente a suo agio, completamente brava, brava, brava anche quando non canta.

CI SONO I CANTANTI DI SUCCESSO, I CAMPIONI: POI C’È MINA

Altra spia d’eternità: si ripete sempre, per lei come per ogni prodigio artistico, che non patisce i calendari, cioè la sua arte rimane. Un momento. Nel panorama creativo, specialmente della musica convenzionalmente definita “leggera”, ci sono vari gradi di epifania. C’è la meteora, la cicala che canta una sola estate. C’è chi vivacchia sull’onda di un successo, e dopo tira a campare. E poi i bravi, che si difendono, si amministrano quanto possono, poi s’arrendono. Salendo nella massima serie ci sono i campioni, le campionesse buoni, ottimi per tutte le stagioni. Poi c’è Mina. Che, come Lucio Battisti, è buona per ogni stagione. Mina non è mai quella di prima; allo stesso modo, ha il dono d’incarnare (come Lucio, e in Italia come nessun altro) le mutazioni fisiche di una società gattopardesca alla rovescia, che forsennatamente cambia nell’apparente stagnazione.

Tra un soffiar di mille bolle blu e un musicarello ci accompagna nell’onda lunga del boom, poi dello sboom

Se uno vuol capire cos’era il boom della fine dei ’50, deve ascoltare Mina ragazzina, quelle prodigiose accelerazioni vocali, sintomo d’una gran fretta solare, di un passaggio storico irripetibile; già nella decade successiva lei matura, cambia l’approccio, la sua voce è quella, esplosiva ma più sorvegliata, di una consapevolezza ora gioiosa, ora già più problematica, perfino dolente; tra un soffiar di mille bolle blu e un musicarello ci accompagna nell’onda lunga del boom, poi dello sboom, dal Carosello di geniali pubblicità di pupazzetti affettuosi ai primi stridori contestatari che introducono una crisi che si autoadempie; nei conseguenti Settanta, la divina mimesi di Mina assume sfumature di benessere acquisito e un po’ stanco, claustrofobico, sa di ficus in appartamento, di città vuota non per amore ma per fantozziana sincope, di domenica alienante, mentre i fantasmi degli amori danzano lugubri, irridenti quasi (coi tempi, cambiano le “problematiche” e, soprattutto, gli autori).

Mina nel 1967 (foto La Presse).

A quel punto la diva è già leggenda, tra pop, bossanova e jazz riveste ogni autore, non si nega una sfida, pronta all’apologia che sorge dal gran rifiuto dopo l’ultimo concerto alla Bussola (c’è sempre una Bussola nel destino di Mina: per cominciare, per finire…). Il suo decennio rampante, “da bere”, annuncia un nuovo livello di sofisticatezza, un altro modo di cantare, inarrivabile e sfuggente e ancora, nella sua latitanza, una platea di ascoltatori può rispecchiarsi nella voce. Lei si protende nel futuro senza più corpo, incombente assenza, peso impalpabile della Storia. Così sempre più nel domani – indietro lei non torna.

UN’ARTISTA VISTUALE PRIMA DELL’AVVENTO DI INTERNET

Mina diventa virtuale prima della virtualità della Rete, c’è ma non c’è, manca ma insiste di più, riaffiora opinionista sul filo di inevitabili qualunquismi, mentre i dischi scorrono, non lasciano le tracce di prima; eppure non la logorano le incursioni nella nuova musica d’autore, non sempre capita, non sempre resa al meglio, non la penalizzano le insopportabili leggerezze pubblicitarie, non la minano quegli eterni ritorni con Celentano. Mina celebra i sessant’anni di carriera, gli ottanta di vita fuori categoria: da sempre, da subito fa corsa su se stessa e alla fine smette di correre; come Mariolino Corso, interviene se ne ha voglia, quando ne ha voglia, basta un gesto per mettere in circolo una foglia morta così come muore un dolore. E questa non è una biografia in pillole, per l’amor di Dio, ma solo la testimonianza di uno stupor mundi che non passa ogni volta che Mina riaffiora. Fin da un disperso 1958, quando alla Bussola salì per gioco e non la facevano più scendere, lei nata per cantare, per quelle accelerazioni da Ferrari, e poi subito gli “Happy Boys”, e poi Baby Gate, e poi e poi e poi… e poi.

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Linda Ansalone: una poetessa salernitana a Milano

Al suo fianco, la prima viola del teatro alla Scala, Danilo Rossi. “Quando ti affacci al balcone e incroci gli sguardi dei vicini, ti senti di nuovo parte di qualcosa. Per questo è nata in Danilo l’idea della “Scala per le scale”, un concerto per i nostri condomini, sull’ uscio della porta di casa”

Di LINDA ANSALONE

I teatri a Milano sono stata i primi a chiudere con l’ordinanza del 23 febbraio.
A me che lavoro come Ufficio Stampa al Teatro Menotti e a Danilo, Prima viola Teatro alla Scala è stato subito chiaro che stava accadendo qualcosa di grave. Al resto dei milanesi meno. Le informazioni erano troppo poco coerenti, si continuava una vita normale anche se a pochi Km si iniziavano a contare i primi morti. Tuttavia, con l’ordinanza dell’8 Marzo, la situazione è cambiata radicalmente. I morti aumentavano vertiginosamente e le strade si svuotavano. Io abito in una zona centrale e il silenzio della città mi è apparso “cinematografico”. Sembrava di essere in un set, uno di quei film americani apocalittici. Invece no, era realtà. Dal ritmo frenetico di Milano si è passati alla mobilità assoluta. Una quiete artificiosa. Ci hanno chiesto di chiuderci in casa. Siamo fortunati. Non mi sento di chiamare questa “imposizione”, sacrificio. Possiamo prenderci del tempo per dedicarci alle nostre passioni.  Non ci è stato chiesto di imbracciare le armi. È importante continuare a studiare, aggiornarsi, scegliere chi e cosa leggere, filtrare le informazioni giuste. Dedicarci a tutte le attività che per mancanza di tempo, rimandiamo sempre. Io per esempio ho pile di libri che mi aspettano. Grazie alla tecnologia riusciamo a lavorare, anche se a me manca il sipario che ogni sera si apre per regalarci una magia nuova. Grazie ai mezzi di comunicazione riusciamo anche ad essere anche vicino ai familiari lontani. Fortunatamente io ho qui con me mia mamma, era salita a Milano a trovarmi e si è trovata poi nel pieno dell’emergenza. Abbiamo un gruppo WhatsApp familiare e tra il “serio e il faceto” cerchiamo di mantenere alto il morale. Spero di poter tornare presto a Salerno, ci manco dall’estate scorsa, ho bisogno di tornare nei miei luoghi, mai come adesso.  In questi giorni riesco a godermi le mie cagnoline Thelma e Louise, che non mi hanno mai vista tanto in casa. Per me sono una vera a propria terapia anti- stress, mi diverto a fotografarle e condividere gli scatti sui social con qualche frase divertente. Se riesco a strappare dei sorrisi sono contenta, ne abbiamo bisogno! Sul balconcino di casa abbiamo appeso uno striscione con su scritto “Non molliamo, ce la faremo”. È un po’ il nostro mantra. Bisogna rimanere uniti anche se a distanza. Rispettare le regole e avere fiducia nel personale sanitario, i veri eroi di questi giorni. Il loro sacrificio sarà la nostra salvezza. Quando tutto sarà finito nel teatro dove lavoro faremo una grande festa. Ci abbracceremo di più. Questa emergenza ci sta facendo capire che nulla può sostituire il calore di un abbraccio umano. La tecnologia è fondamentale, ci aiuta, ma le emozioni hanno bisogno di mani che si incrociano e spazi da condividere, occhi da guardare. Quando ti affacci al balcone e incroci gli sguardi dei vicini, ti senti di nuovo parte di qualcosa. Per questo poi è nata in Danilo l’idea della “Scala per le scale”, un concerto per i nostri condomini, sull’uscio della porta di casa, in diretta Facebook. Ci sembra davvero di abbracciarci tutti, di tenerci forti per mano, di condividere questa battaglia. Probabilmente, non ci siamo mai fermati a parlare tanto con le persone che abitano nel nostro palazzo, corriamo sempre dietro un orario da rispettare e un appuntamento da non perdere. Questo mi ha aiutato a capire che nessun rapporto va sacrificato, bisogna trovare il tempo per rallentare il tempo.

Consiglia

La paura per il coronavirus raccontata con le canzoni

Si aprono davanti a noi scenari apocalittici, da guerra. E in questo inverno circolare in cui ci ha fatto piombare l'epidemia, anche i versi scritti per tutt'altro prendono un significato diverso e inevitabile.

There’s a blood red circle/On the cold dark ground/And the rain is falling down/The church door’s thrown open/I can hear the organ’s song/ But the congregation’s gone (c’è un cerchio rosso sangue/sulla nuda terra fredda/viene giù pioggia/la porta della chiesa è aperta/si sente un organo suonare/ma i fedeli non ci sono) (My city of Ruins, Bruce Springsteen, 2000).

Tutte quelle canzoni, scritte per tutt’altro, scritte per l’amore che finisce, per la fortuna che finisce, adesso prendono un significato diverso e inevitabile.

Il senso di una paura indefinibile, qualcosa che non basta stare a casa, non respirarsi addosso. Qualcosa che non avevamo conosciuto ma a chi ci ha messo al mondo ricorda scenari apocalittici, di sirene che suonano, e stormi di uccelli di ferro che cacano bombe, e rifugi, e coprifuoco.

UNA PAURA CHE È EPIDEMIA NELL’EPIDEMIA

Tutto avevamo visto, immaginato, aspettato, non questa paura dal nome assurdo, coniato appena ieri e già logoro, epidemia nell’epidemia che passa di bocca in bocca. Il coronavirus evoca misteri ancestrali, voli di pipistrelli, pasti di pipistrelli, mutazioni genetiche e poi il deserto. Non c’è anima che passa da qui/Nelle strade c’è silenzio/Non si vede luce/Tutto ciò che resta immobile/Fragile/Anche l’orizzonte vita non ha/Non c’è scorrere del tempo/Tra le porte chiuse/Sembra di sentire un gemito (La Città Fantasma, Decibel, 2018).

LA PRIMAVERA SI È TRASFORMATA IN UN INVERNO CIRCOLARE

Che primavera è mai questa? Con il chiarore che filtra sempre più presto e gli alberi che quasi fremono nell’attesa del risveglio e gli uccellini che cantano come da un milione di primavere fa. Ma questa volta, questa volta tutto è congelato in un inverno circolare, non aspettiamo niente, non ci accorgiamo di niente.

LEGGI ANCHE: Siamo vinti da paura e menefreghismo e il coronavirus non c’entra

Troppo presi a preoccuparci, giustamente. Troppo storditi da notizie sempre nuove e sempre peggiori. È persa questa primavera e una primavera sprecata non torna, è un’occasione di gioia in meno che rimane. La vedremo passare davanti alla finestra, malata anche lei, gravida di vibrazioni morte, pronte a ghermirci. Divisi fra noi, separati fra noi. Alienati e sconfitti.

IL MORBO LASCERÀ UNO SFINIMENTO CONDIVISO

Pericolo di contagio/Che nessuno esca dalla città/Guai a chi s’azzarda/A guardare laggiù/Oltre quel muro/Oltre il futuro/L’epidemia che si spande/L’isolamento è un dovere oramai/Dare la mano è vietato, se mai/Soltanto un dito e l’errore punito sarà… (Contagio, Renato Zero, 1982).


A fare paura non è solo il morbo: è di più la stanchezza, la sconfitta che porta con lui. Questo non è un Paese felice. Zavorrato da mille malattie, incertezze, impedito da se stesso. È una trave a pieno carico dove si posa l’irrilevante peso di un virus e la schianta. Quando tutto sarà finito, perché presto o tardi tutto finirà, non saranno solo le conseguenze economiche, già immani da sole. Sarà molto di peggio, un senso di sfinimento condiviso, una depressione sociale che durerà tanto di più, che penetra nei geni come e peggio del coronavirus e lì di antidoti non ce n’è, bisogna ripartire, come dopo una guerra, ma allora c’era un sogno di libertà che rideva in cuore dopo 20 anni di dittatura. Domani ci saranno solo macerie delle nostre paure, dei nostri comportamenti sconsiderati, dell’avventurismo di chi doveva decidere. Macerie di noi, su di noi.

Bisogna ripartire, come dopo una guerra. Ma allora c’era un sogno di libertà che rideva in cuore dopo 20 anni di dittatura. Domani ci saranno solo macerie delle nostre paure

Anche il resto vorrei sapere/Questa scatola per ricordare/Perché non parla più con me/Perché aggiustarla non so/Chissà se altre ne troverò/Capisco quelle voci per metà/Ma doveva essere grande una città/Quel tempo di tanto tempo fa. (Prima Della Guerra, Eugenio Finardi, 1981).

CHI SI CREDE PIÙ FURBO DELLA REALTÀ

Dove vanno tutti? Dove sciamano, gregge scemo e sbandato, che assalta le stazioni, i treni verso il Sud, che evade da se stesso e diventa focolaio? Dove credono di fuggire credendosi più furbi della realtà? Ma non vedete che tutto si sfalda, ospedali, carceri, sale del potere, discoteche e palestre, e tutto resta in attesa di umanità che invece fugge, che s’inchioda all’incertezza? Non vedete che così spopolate le vostre vite?

TUTTO È VUOTO, COME LE NOSTRE CITTÀ

Le luci bianche nella notte/Sembrano accese per me/E’ tutta mia la città/Tutta mia la città/Un deserto che conosco… (Tutta mia la città, Equipe 84, 1969).
Che anno è? Che primavera è, che Festa della Donna è mai questa, disertata, negata occasione di sorrisi, di luoghi comuni, di tenerezze, di amicizia, di polemica, di tutto ma almeno festa che introduce la primavera? E invece tutto è vuoto. Vuoto come la primavera che arriva. Vuoto come dentro di noi. Vuoto come le nostre città.

Ma so che la città/Vuota mi sembrerà/Se non torni tu. (Città Vuota, Mina, 1965).

UN INCUBO CHE SA DI MILLENARISMO MAGICO

E nelle notti senza voci è un attimo guardare in alto, a quel disco latteo e mormorare: perché? Dimmelo perché. E anche il latrato di un cane adesso mette paura, una paura diversa. Una paura sconosciuta che sa di punizioni divine, di millenarismo magico, di cose che non si capiscono, di incubi che ti svegli e non passano, diventano l’unica realtà. Tu che stai lassù nel buio, e splendi beffarda, dimmelo perché. La quinta luna/Fece paura a tutti/Era la testa di un signore/Che con la morte vicino giocava a biliardino/Era velato ed elegante/Né giovane né vecchio/Forse malato/Sicuramente era malato/Perché perdeva sangue da un orecchio. (La Settima Luna, Lucio Dalla, 1978).

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Ricordiamoci dei musicisti, anche dopo l’emergenza Covid-19

I flash mob sono una delle poche distrazioni in questi giorni di isolamento forzato. Un modo per sentirci uniti e ringraziare medici e infermieri in prima linea contro il coronavirus. Eppure il settore, uno dei più colpiti dalla crisi, da sempre è bistrattato. Ecco perché il governo dovrebbe tutelare gli artisti. Ora e quando tutto questo sarà finito.

In questo periodo di tragedia nazionale, nell’isolamento a cui gli italiani sono costretti dal Covid-19, una delle poche distrazioni sono i flash mob alla finestra.

Si canta l’inno d’Italia, per ringraziare i medici e gli infermieri in prima linea nella lotta al virus, si improvvisano concerti sul terrazzo o Djset sul balcone. Gli italiani insomma trovano nella musica un forte senso di comunità, da Sud a Nord.

CACHET DA FAME E PAGAMENTI IN NERO: LA VITA DEL MUSICISTA

Questi flash mob sono animati spesso da veri e propri musicisti che dai terrazzi si sono mobilitati esprimendo la loro solidarietà all’insegna di #Iosuonodacasa. Ma questi momenti dovrebbero fare riflettere anche su quanti di loro non riescano a fare della propria arte una professione a tutti gli effetti. E questo perché, va ricordato, i cachet sono da fame e i pagamenti quasi sempre in nero. Chissà, forse da questa esperienza di isolamento forzato gli italiani inizieranno a capire che la musica dal vivo è un fattore sociale importante perché unisce le persone e alleggerisce gli stress e la pesantezza della vita.

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Il settore, non è una novità, è maltrattato. «Che lavoro fai? Il musicista», è la domanda che chi suona nei locali si sente rivolgere di frequente. A cui segue quasi sempre un: «Sì, ma poi veramente? Che lavoro fai?». E se la risposta è: «Faccio solo il musicista», l’interlocutore ti guarda in modo interrogativo. A metà tra “sei un morto di fame”, un hippy, o semplicemente uno sfigato. E non è un mistero nemmeno che i gestori dei locali frequentemente paghino le band rapportando il compenso al numero di persone che si riescono a portare al concerto. E se il locale, che normalmente non fa alcuna pubblicità, non si riempie, allora capita che non venga pagata nemmeno la cifra pattuita.

LA PETIZIONE DI FRESU PER TUTELARE LA CATEGORIA

In questi giorni, però, chiunque pagherebbe per avere un vicino di balcone musicista. Il Paese oggi, e fino alla fine delle misure restrittive imposte dal governo, riuscirà a tenere dal punto di vista psicologico anche grazie all’aiuto della musica. Questo importante contributo verrà riconosciuto in qualche modo? Lo Stato si renderà conto che l’atteggiamento verso gli artisti deve cambiare radicalmente? Non va dimenticato poi che la chiusura dei locali ha causato un danno economico enorme anche ai musicisti. Lo ha ricordato Paolo Fresu che ha lanciato la petizione #velesuoniamo con Ada Montellanico presidente dell’associazione il jazz va a scuola e Simone Graziano, presidente dell’associazione musicisti italiani di jazz per chiedere al governo di proteggere anche questa categoria e tutelarla maggiormente in futuro.

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Finita questa emergenza drammatica, l’Italia potrebbe prendere esempio dalla Francia dove esiste il sistema intermittente du spectacle che garantisce un sussidio di disoccupazione per i lavoratori del mondo dello spettacolo che dichiarino (con ricevuta) almeno 43 prestazioni svolte nell’anno solare. Una sorta di reddito di cittadinanza per artisti, insomma. Pensiamoci al prossimo flash mob sul terrazzo. E si spera presto al prossimo concerto.

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Dell’odio dell’innocenza, gli abissi di Paolo Benvegnù

Un disco che è un ritorno alle origini. Ma con più maturità e meno illusioni. Un lavoro duro senza ammiccamenti di sorta. La recensione.

L’artista forse sente le cose arrivare; sicuramente le sente, se no non poterebbe un disco così in un momento così.

Dell’odio dell’innocenza arriva in piena apocalisse, tutti isolati in noi stessi, impotentemente arroccati contro il morbo, e ci parla come mai prima di insofferenza, di rassegnazioni, di amore che sopravvive ma senza pretesa di antidoto.

Parla di pietre al posto di umani, di vestirsi di pietre, è disco di musica marziale e disturbata e disturbante, ove l’eterna lotta tra fuga e ritorno, catarsi e palingenesi soccombe, per la prima volta, alla constatazione: non è più sciamano Paolo Benvegnù, è un profeta arreso, di realismo raggelante come questi suoni, sibili, vibrazioni dentro un cosmo inutile. Ha congedato il gruppo storico, ha tenuto solo il bassista, il “Roccia”, Luca Baldini, come volesse riscoprirsi, come a ripiegarsi, enorme feto, dentro di sé. Anche l’etichetta è nuova, Black Candy Records, che punta molto, a ragione, su questo principe della musica d’autore che, senza smentirsi, marca la differenza con tutto il resto in circolazione.

UN LAVORO CHE CONTIENE TUTTI I BENVEGNÙ FIN DAGLI SCISMA

Ma è un lavoro, questo nuovo, che non sai come prendere. Non riesci a maneggiarlo, ti sfugge da ogni parte, dalla mente alle dita. Perché non mente, non ci prova affatto. Ma un poeta che non mente, che cos’è? Così, hai la sensazione di un già sentito e ci metti un po’ a capire che è la somma di tutto quello che hai già sentito da Benvegnù, a volte proprio ti sembra che voglia ricantarsi in modo più definito, più suo e solo suo.

Ci sono tutti i Benvegnù dentro, fin dagli Scisma, però più ossuti, asciugati; in apparenza, ma solo in apparenza, più essenziale, di sicuro più diretto. È un disco cercato, non più figlio dell’urgenza ma del tempo: «Tutto quello che mi servirà, lo prenderò», ci diceva quando le canzoni erano ancora da scrivere, da immaginare.

UNA LIBERTÀ PAGATA A CARO PREZZO

È uscito un album scontroso, denso di poesia, questo è inevitabile, ma per niente consolante. E se il singolo, Pietre, è irresistibile nel suo respiro serrato, come una lapidazione alle illusioni, Infinito, Pt. 2 sfida Tenco sul suo stesso terreno e Non torniamo più si spinge addirittura al cielo dell’immenso Umberto Bindi. Mentre le soluzioni soniche non rinunciano mai agli amati Radiohead, quelli meno astrusi, quelli ancora empatici. È un disco suonato benissimo, tutto in sottrazione, ma dove ogni palpito è meditato, è sorprendente. Tutto però è dichiaratamente, ostinatamente dentro il marchio di fabbrica di Benvegnù il quale rifugge da qualsiasi soluzione compiacente. Nessun richiamo a ritmi rapper o trapper, nessuna melodia inutilmente saltellante, neanche l’ombra di un ammiccare, casomai sfuriate implacabili s’alternano a dilatazioni affilate: il suo concetto di musica è da padre nobile, oggi più di sempre, alla luce di una libertà conquistata pagandone tutti i prezzi, tutti i costi sanguinosi, e dunque non transigibile.

UN RITORNO ALLA LIBERTÀ CON PIÙ MATURITÀ E MENO ILLUSIONI

Per questo è difficile un disco come Dell’odio dell’innocenza. Fin dal titolo, fin dagli intenti: non concede nulla neppure al più adorante dei fan. È un ritornare all’origine, con più maturità e meno ancora illusioni. Oggi Paolo Benvegnù non potrebbe più comporre un verso come «io lascio che le cose passino e mi sfiorino»; lo canta, sicuro, perché è suo, è la sua anima quello stupore che lo salva; ma quel trasalimento è superato, ormai piovono pietre sui nostri voli che precipitano a vite dentro a «ripugnanti evoluzioni», «ripugnanti rivoluzioni». Ormai neppure le cose ci parlano, ci salvano, forse la natura stessa è proiezione cieca e niente esiste, tranne la presunzione di esistere; niente sopravvive, meno che l’oscena voglia di ammirarsi. Lo stesso sentimento muore di frustrazione, un verso, in chiusura, come «perché è la prima volta che non voglio morire», è raggelante perché piove in un universo di stelle inutili, cadute come voglie.

Paolo Benvegnù (foto da Facebook).

Ti aspetto, dice Benvegnù, padre di famiglia, padre nobile della musica con 30 anni di carriera, e non ci si crede. Ti aspetto, ma alle mie condizioni: qui non c’è più posto per l’epica, quale epica, qui rimane la condivisione metallica di un altoparlante che t’invita a essere prudente, a misurare i tuoi passi tra quelli di altri viaggiatori in partenza, in arrivo, ma per dove? Da dove? Qui risposte non ce n’è: prenditi quello che rimane, questo straccio di poesia. Accontentati. O vai via. Fai attenzione alla copertina: non sorride, guarda fisso, ricorda in qualche modo un Iggy Pop dalla consapevolezza segnata. «Perché non c’è più niente da desiderare». E io, io sono ancora qui che faccio musica, che presento i disastri, e dopo le mie desolazioni diventano le tue, diventano quelle di tutti voi: ma mica lo faccio apposta, ma non sono io a chiamarla quella morte che respiriamo credendo di esistere. E il silenzio, che potrebbe salvarci, non ci salva, perché lo abbiamo ripudiato. E adesso che ci inghiotte, anche tu ti senti come me, ma io non sono come te e resto qui. A cantarti gli abissi che non vuoi vedere, che non puoi non vedere. Io resto qui, ma fino a quando ancora?

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È morto il mito del jazz McCoy Tyner

Il pianista si è spento a Filadelfia a 81 anni. Era l'ultimo membro vivente del John Coltrane Quartet.

È morto nella sua Filadelfia, in cui era nato 81 anni fa, il pianista americano Alfred McCoy Tyner, una delle leggende del jazz, celebre per il suo stile innovativo e per aver fatto parte del John Coltrane Quartet. L’annuncio è stato dato dalla famiglia. Tyner è stato un pianista tra i più influenti nella storia del suo genere musicale – è stato sempre incluso nel ristretto novero di giganti come Herbie Hancock, Chick Corea e Bill Evans – e veniva considerato uno dei padri del piano jazz contemporaneo.

UN TALENTO PRECOCE

Nato l’11 dicembre del 1938 a Filadelfia, Alfred McCoy Tyner fu un talento decisamente precoce. Iniziò a prendere lezione di piano all’età di 13 anni grazie alla spinta della madre, e a poco più di venti er già nel Jazztet di Benny Golson e Art Farmer. L’apice della carriera all’inizio degli Anni 60, quando sostituì Steve Kuhn unendosi al quartetto di John Coltrane, suonando su album classici come A love supreme e My favorite things. Era l’ultimo membro ancora in vita del Quartet – che includeva Jim Garrisson al contrabbasso ed Elvin Jones alla batteria, oltre a lui e Coltrane.

L’ADDIO A COLTRANE

Dopo aver litigato con Coltrane per divergenze artistiche, lasciò il quartetto e intraprese una carriera da solista, fondando un trio di cui sarebbe diventato leader. In quegli anni avviò una forte sperimentazione, partendo dal jazz degli anni con Coltrane e aggiungendoci elementi di musica africana e asiatica. Una perfetta sintesi della sua storia musicale è rappresentata dal suo ultimo album, Solo, un live registrato nel 2007 e pubblicato nel 2009.

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Dalla e Battisti, così lontani così vicini

Tra il 4 e il 5 marzo del 1943 nascevano in due miracoli ravvicinati due irripetibili della musica. Inconfondibili e inconciliabili, come due binari paralleli hanno portato la canzone italiana, ma non solo, a toccare vette mai più raggiunte.

Doveva esserci qualcosa di strano nell’aria. Odore e fumi di guerra, di resistenza, di fine incombente di una dittatura, il bozzolo ancora di una primavera di libertà.

Dovevano esserci coincidenze esoteriche nell’universo in quella manciata di ore fra il 4 e il 5 marzo del 1943: nascevano in due miracoli ravvicinati due campioni, due irripetibili della musica, italiana ma, volendo, senza confini: s’ode a Bologna uno strillo neonato, da Poggio Bustone uno strillo risponde: nascono Dalla e Battisti, che verranno chiamati, ancora un segno del destino, entrambi Lucio e attenzione alla circostanza: la ritroveremo tra poche righe.

Entrambi non ci sono più, e tutti e due ci sono sempre e non possono che esserci sempre. Così diversi, così geniali. Capaci di armonie spiazzanti, ora semplici davvero, ora apparentemente facili, ora orgogliosamente complesse; esperti in melodie che non passano, che verranno riscoperte sempre, da ogni generazione, come succede con la musica assoluta. Dalla legato alla sua città – impossibile pensarlo fuori dai portici, dall’ombra delle Torri; Battisti più metropolitano e difatti si sposta presto a Milano, largo Rio de Janeiro, zona viale Romagna e della città canta le nevrosi e le routine.

SPERIMENTALI E INCONFONDIBILI

Sperimentali tutti e due, ma in modo diversissimo, ciascuno secondo sua sensibilità e preparazione, inconfondibili e inconciliabili. Metodico, regolare, perfino prevedibile Battisti nel privato quanto Dalla è alienato, irrequieto: capace di vivere per ore accucciato dentro un ascensore, alla Rca, con un’arancia in testa: lascia esterrefatti i viaggiatori dei piani, ma neppure se ne accorge. Stanno inseguendo la loro musica, che coincide totalmente con quelli che sono, che saranno.

Battisti fin da subito si lascia cantare da Mogol, diventa pietra di paragone: tutti gli altri, quando esce un suo disco, corrono a studiarlo per capire, perché lui è la locomotiva della musica.

Dalla si affida prima a Paola Pallottino per i testi, quindi a Roberto Roversi: momenti irripetibili, ma non li capiscono, né chi ascolta, né chi critica. «Gli uccelli dell’aria perdono le ali quando passa Nuvolari». «Roversi faceva il paroliere come secondo o terzo lavoro», racconterà Lucio a Giorgio Bocca in una memorabile intervista sull’Espresso. Poi decide di cantarsi da solo e esplode. Battisti fin da subito si lascia cantare da Mogol, diventa pietra di paragone: tutti gli altri, quando esce un suo disco, corrono a studiarlo per capire, perché lui è la locomotiva della musica. Ma quando fa uscire un album è già altrove, proiettato più in là.

Lucio Battisti negli Anni 70 (foto LaPresse).

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Quando rompe con Mogol, si avventura in proposte elettroniche ancora troppo avantia: ma, sotto il vestito dei ritmi sintetici, c’è sempre la sua polluzione melodica, una composizione racchiude dieci potenziali canzoni; ha abbandonato ogni cautela, ogni residua diplomazia artistica, suona solo per sé. Dalla invece spiega un giorno alla cantautrice Mariella Nava, che fa sempre cose complicate: «Vedi Mariella, ogni tanto bisogna anche saper servire un cappuccino». Hanno in comune la passione per l’isolamento, per il mare, Lucio il bolognese gira su una barca che ha chiamato “Catarro”: ci ha messo dentro uno studio di registrazione.

DALLA SEMPRE APERTO VERSO GLI ALTRI, BATTISTI IDIOSINCRATICO

Lucio il romano di Milano, invece, si è ritirato temporibus illis nella «Brianza velenosa» dove può starsene fuori dalle palle. Vivono per la musica, ma da opposti: tanto Dalla è disinvolto, onnipresente, incline a duetti e collaborazioni (recupera un Gianni Morandi da tempo in crisi, spopola col Principe, Francesco De Gregori), altrettanto Battisti è idiosincratico, allergico a ogni fama ed epifania: scrive per molti, li lancia, li produce, ma alle sue condizioni, unica parziale eccezione: Mina, l’immensa, e con lei fa l’ultima ospitata in tivù a Teatro 10 il 23 aprile del 1972. Resta un frammento incancellabile, due immensità che si attraversano, poi il nulla. Nel 1979 l’ultima intervista, ad una emittente tedesca, poi addio.

Lucio Dalla nel 2003 (foto LaPresse).

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Dalla va ovunque, si concede show personali – La Bella e la Bestia con Sabrina Ferilli, Battisti rifiuta assegni in bianco per apparire sul video: «Non è una questione di soldi, io ce posso pure venì, ma così: io passo, di schiena, nun me riconosce nessuno, ed esco». Beffardo, perfino sprezzante, ma in modo capovolto rispetto a Lucio il bolognese: sanno chi sono, cosa valgono, sanno che sono unici.

QUELLA COLLABORAZIONE NAUFRAGATA SUL NASCERE

Paralleli come i binari, dirottano la musica italiana in altre direzioni. Nutrono sensibilità diversissime, ma lo scambio li incrocia in un concetto: nessuna limitazione per comporre, nessun confine, totale libertà nell’esprimersi, siano suite o “cappuccini”. Vivono in modo opposto, muoiono in modo opposto: lentamente, di malattia Battisti; di colpo, dopo un concerto Dalla. Eppure ci fu un momento in cui rischiarono di fondersi: una volta, Dalla proposte a Battisti una trovata delle sue, vale a dire bizzarra, stralunata, improbabile: una tournée nominata “I due Lucio“. Cosa che fece inorridire Battisti, il quale rifiutò con la sua solita formula, che tutti sapevano e che non prevedeva appello: «Non si può fare». Ebbe ragione, due universi collidono e le conseguenze possono essere apocalittiche. Due universi, lo stesso nome, la stessa età. Chi lo sa, cosa diavolo successe in quelle poche ore del 1943, quando, anche in piazza Grande, i giardini di marzo si rivestivano di nuovi colori.

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Ordinary man, lo straziante congedo di Ozzy Osbourne

Nell'ultimo disco del vampiro del rock c'è tutto il suo mondo: dai cori gotici al respiro affannoso di chi decapitava uccelli, fino al metallo incandescente. Un auto-epitaffio che nessuno avrebbe voluto ma che tutti aspettavano e ameranno. La recensione.

Ozzy Osbourne sta morendo. Inutile girarci attorno, il Madman, il pazzo se ne sta andando. Lo sa anche lui, e lo canta. Tra malanni maledetti, stentate convalescenze, concerti annunciati ma tour rinunciati, ammissioni di Parkinson, appelli ai fan.

Vecchio vampiro che ancora si alimenta del sangue del loro entusiasmo, Ozzy va a morire e lo sa e lo canta nell’unico modo che sa fare. Con la solita follia, con orgoglio smisurato e una classe che non va via.

Non manca niente in quest’ultimo, davvero ultimo Ordinary Man consegnato oggi al mondo: 50 minuti per riassumere una vita scellerata, per tirar su la rete di un destino senza senso e in troppe direzioni. Così è la vita della rockstar e così è la sua morte, che arriva prima, che lascia un morto scalciante e un disco postumo in vita.

TUTTO IL MONDO DI OZZY IN 50 MINUTI

Patetico, tenero, orribile Ozzy in copertina, con le unghie laccate e il solito ghigno. E chissà quanto ci è voluto a prendere quello scatto a un malato di Parkinson. Ma dentro, dentro c’è il mondo di Ozzy.

Ozzy Osbourne con Slash (Getty Images).

C’è quel suo heavy metal che pesante lo è di certo, ma mai proprio metal, sempre sul bilico dell’hard rock. C’è la classicità che è solo sua, ma anche le sonorità disturbanti e frastuonose di oggi, magistralmente adoperate per far paura.

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C’è Elton John, con cui costruire uno struggimento, e c’è Slash per ricamare di filo spinato, e c’è Chad Smith e c’è Duff McKagan perché gli Anni 80 furono la Mecca di Ozzy, e c’è Post Malone perché se proprio bisogna andarsene, meglio farlo da vivi, non da reduci. E proprio il rapper è complice di un paio di tracce sorprendenti, in particolare It’s a Raid, un gran bordello di puro Ozzy concentrato, una baraonda infernale, spastica di tempi, di ritmi spezzettati che fai fatica ad arrivare in fondo a quei 4 minuti. 

Ozzy Osbourne sul palco (Getty Images).

PEZZI ACCHIAPPA TEENAGER E PEZZI CHE EVOCANO INCUBI

Ci sono momenti fatti apposta per acchiappare adolescenti incasinati, esattamente come 40 anni fa, momenti di demoniaco ruffianismo. Ci sono passaggi costruiti, come la manierata Holy For Tonight, tra Queen e Electric Light Orchestra, e la fin troppo ozzyana Under The Graveyard, e incubi inconfondibili e realmente spaventosi quali Eat Me e Scary Little Green Men, vagamente Alice In Chains. C’è un sacco di roba e c’è tutto, dai cori gotici, di messa funebre, al respiro affannoso di chi decapitava uccelli, al metallo incandescente di Goodbye

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Tutti titoli così, che sottolineano il congedo, riassumono esistenze e una volta tanto è tutto vero, non un gioco macabro per tenere in piedi il personaggio. Ozzy muore e lo sa. Ma muore a modo suo, alle sue condizioni, muore da pazzo.

E la convinzione è tale da superare il patetismo: Ordinary Man è l’autoepitaffio che nessuno avrebbe voluto ma che tutti aspettavano e ameranno. Inciso tra indicibili fatiche – l’inferno in terra, quasi una espiazione – è riuscito insospettabilmente vibrante, ispirato, pazzo, commovente, antico e post moderno. Post tutto. Con dentro una ballata assolata di sangue, lucida di lacrime quale All My Life, così, a voce spiegata per cantare, per gridare l’orgoglio di una vita tutta sbagliata, tutta sballata, ma che adesso, tirando su la rete, trova il senso di una ragione. Trova il suo ordine. Trova la via d’uscita in quella camera di contenimento, le pareti imbottite, nessuna maniglia da dentro, che è stata la vita di Ozzy. Così è la vita di una rockstar, che si riscatta quando finisce nell’ultimo battito d’ali. E che battito è Ordinary Man! È un chiedere scusa senza pentirsi, è l’ammissione di non poter essere altro, l’addio di chi addosso ha un mantello di tempo e non può rinnegarlo. 

Ozzy Osbourne negli Anni 80 (Getty Images).

OZZY LASCIA UNO STILE, UN’EREDITÀ E UN VUOTO

Ozzy è stato il Madman, il fuori di testa, a volte imbarazzante, grottesco, caricaturale. Il decapitatore di pipistrelli e la macchietta da sitcom, il principe delle tenebre che perde i pezzi. Compatito dalle rockstar dell’Olimpo: ma lascia uno stile, una eredità, un vuoto. Lascia questo disco, straziante e bellissimo, ultimo hurrah di un pugile che vince l’ultimo incontro ma scende sul ring tremante, ammalato. Eppure non rinuncia a proclamare: «Io sono Ozzy, sono quello che sono sempre stato, e me ne vado così. A modo mio, alle mie regole: non saprei come altro fare, e tu goditi quel che resta di me, mentre mi preparo a sparire».

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Così è la morte di una rockstar: passi la vita a irriderla, a scamparla, ma poi quella arriva un attimo prima, ti lascia vivo per un po’, gioca con te così come tu hai giocato con lei e si riprende tutto. Ma ti rispetta. Rispetta il coraggio di sfidarla e ti lascia ancora il tempo per un ultimo agghiacciante meraviglioso commiato. E la canzone che battezza l’album, quella con Elton John, sarà pure quanto di più paraculo, ma non puoi non sentirti qualcosa in pancia mentre la senti: è Ozzy che se ne va, capisci? Lo capisci? E svanisce in un vento d’archi desolati. Ma sì, che tanto non cambia niente. Ma sì, che quelli come noi sono dannati, non gli basta una preghiera in articulo mortis per salvarsi. 

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Morgan, Bugo e il grande bluff dell’Indie italiano

Citazionismi, snobismo e una critica generosa. La scena indipendente tra gli Anni 90 e i 2000 dava segni di effervescenza. Poi quasi tutti i suoi protagonisti si sono ritrovati o in un talent o a Sanremo.

Pare che al devastato, decrepito Morgan non sia ancora passata: «Un Bugo me l’ha messo in ****». Come a dire: mi sono inventato tutta quella sceneggiata per attirare l’attenzione e invece chiamano lui, un nessuno, uno miracolato da me.

Questo pensa e dice Morgan, alfiere di certa presunta alternativa Anni 90, dell’amico Bugo, esponente della presunta alternativa Anni 2000.

Lavorare con Morgan dev’essere deprimente, ma questo Bugo chi l’aveva mai sentito prima? E che dimostrazione di talento in un Sanremo per il quale è ricordato, verrà ricordato unicamente per la sua uscita di scena? In questo stanno i limiti dell’ineffabile indie italiano, una scena che c’era e non c’era, alla quale ogni esponente mostrava o fingeva di dissociarsi e chi scrive lo sostiene da fonti dirette: «L’indie? Non so che sia e comunque non ne faccio parte». Tutti così. Una scena che non c’era perché non ha mai fatto gruppo, perché opportunamente imprecisata, poteva entrarci di tutto, il reduce con smanie terroristiche, il sentimentale, l’emulo battistiano. Ed è una scena Fenice che non è durata, che era nata per non durare, per rifluire.

I Baustelle (Ansa).

BUGO, IL NUOVO BECK, E GLI ALTRI

Bugo all’inizio degli Anni Duemila passò, complice una critica musicale incredibile, per la “nuova grande cosa” dell’indie nazionale: il nuovo Beck, il nuovo genietto incomprensibile; era solo un ragazzo che cercava di spacciare le scarse risorse artistiche col pretesto della bassa fedeltà, dell’approccio stralunato. Altri si segnalavano per la critica sociopolitica, come tali Offlaga Disco Pag che oggi nessuno più ricorda, a cavallo tra Cccp e Stato Sociale.

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Poi i Baustelle, con sofisticati giochi citazionisti, ecco una costante della scena che non c’era, il citazionismo, sicuramente anglosassone ma di preferenza teutonico, il risalire snobisticamente fino all’immancabile estetica berlinese di Bowie o addirittura al Krautrock. I Tre Allegri Ragazzi Morti, a metà tra musica e arte figurativa, i primi a usare l’espediente delle maschere: ma cosa hanno lasciato di saldo, di sfruttabile ai fini di una continuazione artistica?

L’EFFERVESCENZA DEI PRIMI 2000

Sì, nei primi Duemila si respirò una brezza di libertà con l’effervescenza dei gruppuscoli, degli artistoidi, delle etichette minimali. Ma erano i presupposti a mancare: appena usciti dalla nicchia, tutti si lasciano sedurre dalle sirene delle major, del sistema, e, vuoi o non vuoi, si normalizzano, si adeguano. Hai voglia a dire «noi restiamo gli stessi», non c’è margine, non c’è scelta. Le possibilità della Rete, i myspace, i canali diversificati servono per nascere, ma nessuno vuole vegetare sul web, la visibilità è quello che cercano tutti e ci mancherebbe, un artista vuole farsi conoscere, ascoltare e, perché non dovrebbe, avere successo, una carriera. Anche Bugo firmava per una etichetta importante ed era il bacio della morte: nella scena che non c’era, la generazione dei Millennial anche musicale non era dura abbastanza, non era pronta a reggere certi pesi, certe pressioni, era incline, come dice Breat Easton Ellis nel recente Bianco, «all’estetica dell’autovittimismo». Tutto dovuto!, ma alle condizioni del “martire”: e se il dovuto non arrivava, ci si ripiegava ancora di più in un vittimismo fetale.

ALLA FINE CORRONO TUTTI A SANREMO

Bugo dopo 20 anni va a Sanremo, ma non in modo trionfale e il suo nuovo disco, del quale nessuno parla anche se lo invitano in tutte le trasmissioni, suona come il pop più innocuo, suona come Ermal Meta. Tra Beck e Celentano, questo Bugatti? Ma su, non scherziamo. Uno che allo sbarco con una major si perde, uno che cita quale modello Vasco Rossi. Ma Vasco Rossi rischia sulla sua pelle e a Sanremo davvero se ne frega di tutto sì: per lo meno, sa come cavalcare la tigre. Bugo, distrutto dalla pressione di un Morgan completamente andato, non regge, fugge. Dieci milioni di visualizzazioni! Ma per farci cosa? Vittorie di Pirro, incomprensibili come lo era l’indie: quale controcultura se è tutto mischiato, tutto compromesso? Anche la scena rap e trap si riveste di indipendenza, ma dopo un po’: Sanremo, corrono tutti a Sanremo. In cosa sarebbero diversi, alternativi, indipendenti gli Ex Otago; In cosa Levante, una che in due anni ha attraversato X Factor e Festival? 

INDIE TRA PRESUNZIONE E CITAZIONISMO

Indie come presunzione. Citazioni di citazioni, evocazioni di Majakovskji, rumore e oscurità di stampo americano: va bene, ma qual è il confine tra arte e presunzione, quale tra complessità e pesantezza? Non saranno solo canzonette, ma hanno per forza da essere macigni? E l’indie rifluisce, cerca il baraccone.

Dente a teatro nel 2013 (Ansa).

Cerca anche il passato, inesorabilmente. Un altro che si faceva largo in quegli anni, vicini, così lontani, era Dente: subito consacrato come “il nuovo Battisti“. Ma ce l’avete un minimo di decenza? E il nuovo Battisti è già imbozzolato, crisalide di ritorno, e da quella dimensione non esce più. Alla fine, quello che sarebbe risultato latitante era proprio il carisma, la capacità di durare: ci sono ottime enciclopedie della musica italiana, dove però lo avverti lo sforzo di allungare il brodo, di dire qualcosa quando si arriva agli Anni Duemila, gli anni dell’indie che c’era e non c’era. E quella ambiguità fu la sua effimera fortuna e insieme la sua condanna precoce.

LA CRISI DEGLI ANNI 10

Intanto, arriva un’altra crisi, quella degli Anni 10, e tutto si rimescola per confondersi ulteriormente. L’indie si rinserra in uno sperimentalismo sempre più derivativo e a volte spiraliforme. Sono appena usciti, come a inaugurare un nuovo decennio, alcuni dischi da artisti post indie, anche se datano da due decenni e oltre. Come i Jennifer Gentle o Julie’s Haircut che, in modi diversi, avanzano proposte sempre più interlocutorie, dove i generi si attraversano e si affastellano, con risultati non sempre comprensibili. Vanno molto di moda i Calibro 35, il cui elemento forse più riconoscibile, il 44enne Enrico Gabrielli, è però di stanza a Sanremo in varie forme, da direttore d’orchestra ad arrangiatore a compositore. E i celebrati Calibro 35, oggi in cerca di evoluzione, sono usciti rincorrendo l’immaginario cinematografico tra i 60 e i 70, operazione celebrata come squisita riscoperta culturale laddove i maestri del genere, i fratelli Guido e Maurizio de Angelis, restano in fama di colonnari sonori d’evasione. Ma perché se i Calibro 35 riprendono Trovajoli sono filologi mentre se lo fa il vecchio Renato Zero (in origine davvero indipendente, controculturale, fino a precoce normalizzazione), sarebbe patetico?

PIÙ CHE INDIE, MAINSTREAM

La scena indie è talmente vaga da non finire mai, è un mutaforma un po’ paragnosta, che trasmette geneticamente quel non so che approssimativo e snobbetto. Oggi i nomi di domani si chiamano Lucio Corsi, Fulminacci. Ma Lucio Corsi è uno che ha scoperto il glam, uno che, se gli chiedi a chi si ispira, risponde dritto: Renato Zero. E Fulminacci è il prototipo ideale da celebrare al premio Tenco, dove tutti gli anni premiano Capossela, quanto di più mainstream. E lo chiamano indie. 

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Red Ronnie: «Bugo avrebbe dovuto abbracciare Morgan»

La lite tra i due cantanti? «L'unico momento vero all'Ariston». Sanremo? «È arrogante». Achille Lauro? «Un cosplayer». A tu per tu con il critico per parlare del Festival, dello stato di salute della musica italiana e del futuro della radio: «È un bene in espansione ma in troppe sono allergiche alle novità».

Quarantacinque anni fa si poteva anche nascere da una radio: erano in tanti, c’era pure Gabriele Ansaloni, da Bologna, poi diventato Red Ronnie. E lui ne ha vista di radio scorrere sotto i ponti, ha visto i Sanremo cambiare e gonfiarsi, ha visto ragazzotti diventare rockstar e altri che si sarebbero fermati sulla soglia dei sogni, ha visto i tempi pazzi e le normalizzazioni, ha visto le trasgressioni vere, finte, plastificate, e quelli come lui la plastica la fiutano subito.

C’è una curiosa miscela di disincanto e di entusiasmo in Red Ronnie: o un criceto nella ruota o uno che ricomincia sempre da capo, che trasforma l’anidride carbonica di Sanremo in ossigeno per nuove scommesse.

Oggi, oltre al suo Barone Rosso, ai progetti multimediali, a quel perenne agitato frizzare di quelli nati da una radio, scrive per OM Optimagazine, magazine dedicato al mondo dello spettacolo, dalla musica al cinema, dalle serie tv alla tecnologia, pubblicazione che fa capo a Optima Italia, smart utility attiva nel mercato dell’energia e delle telecomunicazioni. Sempre con l’agitazione curiosa di uno nato da una radio, quando la radio era libera, ma libera veramente.

Red Ronnie, pseudonimo di Gabriele Ansaloni è un conduttore televisivo e critico musicale.

DOMANDA. Allora, tanto per distinguerci vogliamo parlare del melodramma tra Morgan e quell’altro, lì, Bugo? Tu hai raccolto molte confidenze di Morgan, a caldo…
RISPOSTA. Ecco: già l’hai tutto tu: “quell’altro”. Bugo è bravo, io al mio ‘Barone Rosso’ l’ho chiamato, ma…

Ma?
Non è molto conosciuto. Rispetto a Morgan, poi…

Me lo ricordo quando il Mucchio lo pompava: poi vanno a Sanremo, questi indie, e uno si fa delle domande…
Sì ma facciamola, una premessa, doverosa…

E facciamola.
Sanremo è arrogante.

Tronfio, sì.
Arrogante in quel fare quel che vuole lui e solo lui, infischiandosene di qualsiasi altra voce o esigenza o obiezione.

Sto pensando quello che pensi tu?
Junior Cally: mezza Italia, e ci vado cauto, non lo voleva, non lo capiva.

Non solo lui…
Per ovviare alla partecipazione di questo qui, che aveva fatto il pezzullo sullo stupro e il femminicidio, hanno farcito il Festival con un casino di interventi di denuncia del femminicidio.

Ah, i monologhi…
Il monologo della Jeabral è stato fatto dalla Lucarelli. E l’hanno cambiato, rattoppato all’ultimo momento.

Si vedeva, anzi si sentiva…
Poi lo spottone al megaconcerto femminile. Tutto per riparare.

Da sinistra, Morgan e Bugo sul palco dell’Ariston.

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Sì, poi prodotto, hai letto Dagospia, da Salzano che ha un’accusa per prepotenza su una donna…
Questo va premesso, se no non si inquadra lo scazzo Morgan-Bugo nella luce giusta.

Ecco, torniamo al nostro piccolo “Mozart” – oggi si è definito “come Gesù”, siamo al limite…
Morgan ha ribaltato il testo. Mi aveva mandato già messaggi in cui si definiva boicottato. Io posso dirti che di Sanremo non gliene fregava un cazzo, lui voleva solo ben figurare su Canzone per Te di Endrigo. Voleva dirigere l’orchestra.

Che, a quanto so, non l’ha presa proprio bene: ma chi si credeva di essere, tra gli altri, Morgan? Frank Zappa?
L’orchestra era irritata per una faccenda di partiture, lui aveva presentato all’ultimo queste partiture complicatissime, sbagliate secondo gli orchestrali…

Beh, ma una partitura non si improvvisa così.
Su questo non entro, non è di mia competenza, io le ho ricevute da Morgan, le ho girate ad Alessandro Quarta e lui, da violinista, da musicista classico, le ha trovate molto complicate, molto elaborate; sta di fatto che il duetto è andato malissimo, Bugo si è preso tutta la scena: li ho capito…

Che Morgan gliel’avrebbe fatta pagare?
Guarda, a me non interessa stabilire torti e ragioni: quello che mi premeva era documentare la performance nel suo accadere: l’ho intuita per tempo, l’ho trasmessa via Facebook, ha avuto 7 milioni di contatti, trovo che sia stato l’unico momento di verità di un Festival morto, dove tutti i copioni erano scritti.

Sì ma ho anche visto il comportamento di Morgan prima di salire: ma come si fa a gestire uno così?
No, io ci lavoro con Morgan, non è difficile. Al Barone Rosso lui si è sempre dimostrato ricettivo, curioso, musicalmente apertissimo. Sai cosa doveva fare Bugo lì?

Sfasciarlo nel divenire della performance?
Al contrario: abbracciarlo. Sarebbe stato un gesto immenso e risolutivo.

Ma non credo che il ragazzo abbia il carisma.
Lui viveva una pressione pazzesca, questo è certo.

Sono d’accordo sull’unico momento di vita reale, vuoi o non vuoi, in un Sanremo improbabile.
Avevano una paura fottuta di fallire e allora l’hanno imbottito di numeri circensi. In tutto questo, la musica, le canzoni si disperdevano, perdevano di senso.

Quanto a dire una deriva che va avanti da anni, no?
Sì ma quest’anno era proprio incontrollabile: ma come fai, poi, a fare delle dirette di quattro, cinque ore, a chiudere alle tre…

Quello che mi chiedo, e ti chiedo, è se sia in qualche modo ancora recuperabile oppure…
No, è irreversibile.

Ma allora non salviamo niente?
Qualche canzone. Diodato, bravissimo. Rita Pavone.

Davvero ti è piaciuta?
La trasgressione è lei col figlio, che porta una canzone del figlio. Buona, tra l’altro. E la sua esibizione, quella sì è buona. Molto avanti rispetto a Pelù.

Vero. Ma è questione di anima, questa il rock l’ha importato, a modo suo, ma è tra quelli che hanno squadernato un’epoca.
Altroché, vuoi scherzare. A 74 anni, è stata ancora esplosiva.

Da sinistra, Achille Lauro e Boss Doms a Sanremo 2020.

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Ecco, a proposito di trasgressioni: Achille, che facciamo? Lo tiriamo fuori o lo lasciamo chiuso nello sgabuzzino dei costumi?
Ma, senti: intanto, le idee erano di Gucci, è tutta una operazione di marketing quella.

Idee fresche, originali, di appena 46 anni fa.
Il fatto è che, poi, quando gli si chiede di commentare san Francesco che rinuncia alla ricchezza, non risponde. Perché non sa cosa dire! Perché non è roba sua, gliel’hanno messa addosso!

Vaglielo a dire a certi biografi da Instagram…
Si atteggia a Bowie e tutti, lui per primo, confondono Ziggy con Life on Mars.

Però succhia la chitarra…
Ma succhia tutto, ma in modo raffazzonato, approssimativo. Inconsapevole, altro che coscienza artistica.

Ma perché nessuno si è accorto che la canzone era la stessa dell’anno scorso, solo con due paroline diverse, oddio, ullallà…?
La canzone non esiste. Per me lui è un Cosplay, no?

Guarda che poi ti dicono che non capisci la trasgressione.
La capisco, invece. Capisco che una volta era vissuta sulla pelle, pensa a Vasco che quando andò a Sanremo era davvero lui, ed era al limite: oggi è recitata. E griffata.

Ma no, che i rapper, i trapper, sono dei duri, vengono dalla strada. Magari col padre chiururgo o giudice, ma insomma a 20 anni si fanno le biografie.
La trasgressione è Lennon che, in tempi di terrorismi, di Brigate Rosse, bacia Yoko in copertina: non certo una roba che inneggia allo stupro e al femminicidio. Guarda, io rivendico di avere contribuito a smascherare Junior Cally, dico letteralmente smascherarlo: si è sgonfiato subito. Come tagliare i capelli a Sansone.

Dalla faccia, in effetti, forse era meglio tener su la maschera: non proprio un duro, un maledetto.
Questi non rischiano mai. Prendono i memo: soldi – droga – griffe – troia, e ci fanno pezzi in serie. Ci mettono su un po’ di autotune, ed è fatta.

Junior Cally al Festival.

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E cosa rimane, tra le pagine chiare e le pagine scure?
Non rimane nulla. I critici nella loro antica spocchia sono arrivati ad esaltare la reunion dei Ricchi e Poveri: si sono accorti che erano, al tempo, i nostri Mamas and Papas.

L’ultimo Amore, deliziosa!
L’ultimo Amore era bellissima, è bellissima. E loro, li hai visti.

Dici che i rapper non durano 50 anni?
Si sconterà la dura realtà del live.

Perché lì bisogna davvero suonare, non fare la sagra della consolle?
Se c’è una cosa positiva, dico una, nella tragedia infame di Corinaldo, è di avere segnalato i testi di questi qua: infatti i genitori, che fino a quel momento non ne avevano idea, giudicandoli fenomeni per ragazzini, adesso i loro figli non ce li portano più.

Soldi risparmiati…
Ma prendi anche questo superpompato Ghali: sgonfio, insipido…

«Tutta una cazzo di posa», avrebbe bofonchiato Keith Richards.
Proprio così (ride)!

Parliamo della radio? Il 13 è la Giornata Mondiale della Radio. Ricorrenza legata al 1946, la Radio delle Nazioni Unite e va tutto bene, ma trattarla come un bene in estinzione?…
No, la radio non è un bene in estinzione ma in espansione. Il Podcast è radio, no? Le sue mutazioni la difendono, la ribadiscono. Roxy Bar era radio, con le telecamere. Lo capiva per primo Claudio Cecchetto e la mandava su Radio Capital…

Nulla si crea e nulla si distrugge, anche nell’etere?
Ci sono nato, con la radio. 1975, Bologna. Oggi non sono più libere. Non possono più raccontare le cose.

Eppure vomitano fiumi di parole, parole, parole…
Hendrix, non è che lo sparavi così, da un giorno all’altro. Lo presentavi, lo illustravi. Preparavi il campo. E poi lo mandavi. Oggi non c’è più questa educazione, c’è una marmellata di suoni, di voci…

Lo stramaledetto flusso, vuoi dire?
Ma scusa, ma una radio che non serve ai dischi nuovi ma solo a quelli già conclamati, già arrivati? Ma lo vedi che slogan hanno: «Solo grandi successi». Vuol dire che la radio ha perso il suo ruolo quanto a musica, varietà, speaker. «Ah, non è nella playlist!».

Così fan tutti, caro Red.
Ecco: altro problema: i grandi network. Hanno le loro logiche, lo sappiamo. Ma le piccole li imitano. Vogliono essere tutti la stessa cosa. Dov’è il coraggio? Dov’è l’alternativa?

Dove?
Spotify, a modo suo, ha fatto l’alternativa. Ha caricato nomi, artisti, proposte sconosciute. Ecco il boom. L’appello è alle piccole radio: tornate alle origini, alla libertà.

Red Ronnie.

Non è una cosa vecchia, questa libertà?
Capisco la provocazione, la raccolgo così: la libertà non ha tempo. Ti piace? Ho fatto esperimenti a Rtl. Recuperavo la cultura del vinile. Anche lì: boom. Basta farlo ascoltare. Col Barone Rosso ho vinto la malattia di questa era: l’allergia alla novità.

La novità fa paura, in effetti.
C’è questa strategia, mutuata dai network televisivi: stai dentro, fuori ci sono i lupi, non sai cosa ti aspetta. Anzi lo sai. Stai dentro, tappato, il mondo te lo porto io. Eh, no: il mondo è quello che succede. Alla Zanzara non sai che succede: anche puttanate, anche volgarità, ma qualcosa succede e non lo sai prima.

Il teatro della crudeltà, il senso del pericolo per lo spettacolo.
Il contrario di: playlist, karaoke… Alla fine la gente non ascolta più niente, neanche gli spot. Puro sottofondo. Il conosciuto è nuovo e il nuovo è da scoprire. Se ho fidelizzato un pubblico, la mia missione è compiuta.

Non sarei così nichilista, caro Red: il nuovo c’è, avanza, romba, si chiama Elettra Miura. Come mai secondo te questa stava a Sanremo?
Perché fa parlare. A meno che non siano intervenute altre logiche, di management, di pubbliche relazioni. Non lo so.

Dici che non era per la sua freschezza artistica?
Amadeus ha fatto il cast e diceva: ah, Junior Cally è bravo. Ma non conosceva Strega, che è l’exploit di questo, e l’ha ammesso serenamente. Allora? Di che parliamo?

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Portare la Sla a Sanremo ha aiutato l’audience, non Paolo Palumbo

La sua storia è stata strumentalizzata al mero scopo di alzare l'indice di ascolti. Che cosa ci è rimasto della sua testimonianza? L'idea del ragazzo disabile sfortunato e piegato dalla malattia, esattamente il contrario di ciò che lui ci ha comunicato con la sua canzone.

Della settantesima edizione del Festival di Sanremo è stata data forte risonanza per l’attenzione dedicata ad alcune tematiche di interesse sociale. Lo abbiamo visto sia negli aspetti organizzativi della manifestazione, sia nella scelta degli e delle ospiti e delle conduttrici che spalleggiavano Amadeus, il padrone di casa, e dei monologhi che queste persone ci hanno offerto.

Effettivamente quest’anno la kermesse si sta svolgendo all’insegna dell’accessibilità e fruibilità dello spettacolo da parte di tutti e tutte: sottotitoli e servizio di audiodescrizione – novità assoluta disponibile sul digitale terreste – per gli spettatori con disabilità visiva e performers Lis, ovvero non semplici traduttori in lingua dei segni bensì professionisti che trasformano le parole e la musica delle canzoni in un’esibizione dal forte impatto artistico oltre che permettere la comprensione dei testi anche da parte di chi non può sentire. Nulla da ridire sul fronte del rispetto del diritto di accesso alla cultura e all’informazione, difeso peraltro dalla Convenzione Onu sui diritti delle persone con disabilità.

Che Sanremo possa essere di esempio a che si occupa dei palinsesti televisivi per migliorare la fruibilità dei programmi. E il resto? Una patina social e politically correct che ha ricoperto finora tutte le serate e che mi lascia abbastanza perplessa a iniziare dalla scelta di mantenere un unico conduttore fisso, uomo naturalmente, affiancato da 10 donne (e a tratti da Fiorello). Eh già, forse chi ha preso questa decisione temeva che affidare la conduzione della trasmissione interamente a una donna non sarebbe stata una strategia efficace nel sottolineare l’importanza dell’emancipazione femminile. Che invece che abbiamo osservato benissimo in questa dinamica da “gallo nel pollaio”.

UN FESTIVAL CHE HA MESSO IN PRIMO PIANO GLI IMPATTI EMOTIVI

A parte questo, nel corso delle serate sono state tante le testimonianze e i temi a sfondo sociale buttati lì, gettati in pasto alle emozioni viscerali del pubblico pagante (perché tutti contribuiamo a mantenere in vita il Festival pagando il canone Rai!). Il monologo di Rula Jebreal contro la violenza sulle donne, di Emma D’Aquino sulla libertà di stampa, di Diletta Leotta sulla bellezza e il tempo che passa , di Laura Chimenti, donna e madre lavoratrice, dedicato alle figlie, di Alketa Vejsiu che ringrazia l’Italia di aver accolto i suoi connazionali in fuga dall’Albania decine di anni fa.

Paolo Palumbo a Sanremo Giovani con Amadeus.

I contenuti espressi in questi e altri interventi sono senz’altro importanti e meriterebbero un’attenzione, una presa di consapevolezza, un’assunzione di corresponsabilità nel farsi portavoce dei messaggi trasmessi che vanno e dovrebbero andare molto ben al di là dell‘impatto emotivo che certamente hanno generato in modo forte e chiaro. Sì, perché le emozioni suscitate da questi racconti, privi peraltro di un’adeguata contestualizzazione, sono state senza dubbio molto intense ma a manifestazione conclusa, dopo che anche la nostra ultima lacrima si sarà asciugata, cosa ci resterà?

LA SPETTACOLARIZZAZIONE DEL DOLORE NON SERVE A NESSUNO

È in questo contesto di emozioni facili e spettacolarizzate che, durante la seconda serata, abbiamo assistito all’esibizione di Paolo Palumbo accompagnato da Christian Pintus e dal cantautore Andrea Cutri che ha diretto l’orchestra. Ventidue anni, da quattro affetto da sclerosi laterale amiotrofica (Sla), Paolo non è riuscito a superare le selezioni di Sanremo Giovani ma è stato ugualmente invitato a cantare sul palco dell’Ariston da Amadeus. È proprio vero che a volte sono i piccoli gesti a fare una grossa differenza tra offrire a tutti pari opportunità e discriminare alcune persone e non altre. A Paolo, come moltissimi altri giovani aspiranti cantanti, è stata offerta l’opportunità di mettere alla prova le sue abilità e, al pari di tanti altri, non è stato ritenuto idoneo a proseguire la gara.

L’importante era mostrare al pubblico che Sanremo è attento alle sofferenze umane e mettere in subbuglio le pance, stimolare le ghiandole lacrimali

Perché una persona le cui competenze canore sono state ritenute inadatte alla gara è stata comunque fatta esibire? Sanremo, nonostante e al di là della supposta intenzione di sensibilizzare il suo pubblico a tematiche di forte impatto sociale, resta pur sempre una competizione canora. Il fatto che il giovane abbia di fatto partecipato alle selezioni mi sembra già un’ottima dimostrazione di come il Festival garantisca a tutti pari opportunità, perché spingersi oltre?

Paolo Palumbo con Cristian Pintus durante l’esibizione a Sanremo.

Possiamo capirlo analizzando quanto è successo dopo la sua perfomance. Terminato di cantare ha parlato della sua condizione di giovane affetto da sclerosi ed il suo intervento – brano musicale prima e discorso poi – è stato accolto dalla standing ovation di un pubblico commosso e dalle accorate parole di un conduttore visibilmente emozionato dalla sua presenza. Che Paolo fosse stato valutato non idoneo a gareggiare sulla base delle sue doti canore è stato assolutamente irrilevante. L’importante, in questo caso come in quelli citati prima, era mostrare al pubblico che Sanremo è attento alle sofferenze umane e mettere in subbuglio le pance, stimolare le ghiandole lacrimali. Forse hanno trovato una connessione tra l’attivazione del sistema limbico e l’aumento dello share.

SANREMO HA PERSO UN’OCCASIONE PER PARLARE SERIAMENTE DI DISABILITÀ

La mia non è una critica a Paolo che non ha chiesto né preteso di salire sul palco ma è stato invitato a farlo da altri e aveva tutto il diritto di accettare la proposta. Quello che mi fa imbestialire invece è la strumentalizzazione che della sua storia (e delle altre) è stata fatta al mero scopo di alzare l’indice di ascolti. Che cosa ci è rimasto della sua testimonianza? L’idea del ragazzo disabile sfortunato e piegato dalla malattia, esattamente il contrario di ciò che Paolo ci ha comunicato con le sue parole.

La disabilità non è una “sfiga” personale bensì il risultato di determinate caratteristiche individuali ritenute fuori dalla “norma”

Il mondo dello spettacolo ha una forte responsabilità nei confronti di tutti noi perché contribuisce a generare e diffondere idee e teorie sulla realtà che poi diventano patrimonio del senso comune, cioé della collettività. Sanremo avrebbe avuto l’occasione di veicolare un messaggio diverso da quello a cui siamo abituati e cioé che la disabilità non è una “sfiga” personale bensì il risultato di determinate caratteristiche individuali ritenute fuori dalla “norma” e il contesto sociale non adatto ad accoglierle. Ma questa prospettiva non fa audience mentre sbattere in faccia del pubblico le umane tragedie individuali, sì. Quindi non l’ha colta. Peccato.

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Paolo Benvegnù su Sanremo, musica italiana e ricerca artistica

In studio a ritoccare i suo prossimo disco "Dell'odio e dell'innocenza", l'ex Scisma dice la sua sulla reale dimensione artistica del Festival: «Ci si arriva per tanti motivi, alcuni hanno a che fare col talento, altri meno». E sull carrozzone dell'Ariston: «Fa di questo Paese quello che è. Un agglomerato di figuranti antropomorfi».

Quello che a Sanremo no. Ma anche quello che l’indie no. Quello che sta altrove, perennemente in un suo altrimenti dello spazio e dell’anima.

Mentre dalla Riviera festivaliera si allargano a centri concentrici dilatazioni sul nulla musicale, Paolo Benvegnù sta chiuso in studio di registrazione a ritoccare Dell’odio e dell’innocenza, il nuovo disco in uscita per l’etichetta Black Candy Records ai primi di marzo «ma non so ancora il giorno perché è tutto un delirio».

E di Sanremo, giura, non ne sa niente: «Neanche chi c’è, giuro. Ma, senti, non per altro, ma perché non so proprio niente io, niente di tutto; neanche di questo disco so niente, non ho niente di ponderato. Ho aspettato tanto, poi i pezzi sono arrivati in 10 giorni, a ottobre, dopo tanto suonare in giro; evidentemente, avevo bisogno di disperdermi nell’attesa. Da lì la solita corsa convulsa per suonare, incidere, dare una forma, realizzare tutto. Adesso a marzo riparto con un gruppo nuovo, una esperienza nuova: è ancora tutto da sapere, tutto da scoprire».

Paolo Benvegnù (foto da Facebook).

DOMANDA. E qual è lo stato d’animo?
RISPOSTA. Posso solo dirti che sono contento: contento di questa incertezza che mi si spalanca davanti. Contento perché mi sono divertito a farlo questo disco. Perché ci sono i pezzi miei, dunque nessuno stravolgimento, ma ci trovo cose interessanti. Sono pfreso nella mia ricerca.

E Sanremo, niente…
Non ho visto niente. Non me ne frega niente.

Addirittura?
Ma figurati.

Sì ma non possiamo liquidarla così ‘sta tragedia nazionale. L’indie, per esempio. Gli indie, tu non eri indie?
Io? (ride)

Va beh: non sei mainstream, non sei alternativo, che sei?
Ma no, ma cosa c’è di indipendente? Voglio dire, è una dimensione esistenziale, no?

Certo, e anche musicale: ah, la scena indie…
Vai a Sanremo? Non è sbagliato. Non è neanche giusto, non c’è un giudizio di valore: entri nel mercato dell’intrattenimento, tutto qui. Solo non parliamo di ricerca, per favore.

Sabrina Salerno e Amadeus.

Perché, al Festival non si può fare ricerca? Non si può portare un pezzo ricercato?
Cinquant’anni fa, senz’altro. Prima dell’esplosione del mercato del disco. Ma oggi non è che porti i Van Der Graaf Generator alla Festa dell’Uva; non è che ce li trovi i King Crimson – dico i primi, quelli che sperimentavano – alla Sagra della Salsiccia di Ceprano. Sono contesti diversi.

E Sanremo quindi è una sagra e chi ha qualcosa da dire non ci va?
Vuoi dargli un nome? Scena indipendente, no: chiamala coccodrillo. Chiamala come vuoi. Ma che c’entra l’indipendenza? Non è una questione di etichette, ma di filtri: la musica la intendo come non mediata, non condizionata e in certi contesti non è possibile. Semplice. Detto questo, sono felice per chi ci va e non mi sognerei mai di additare nessuno.

Musica incondizionata ricorda molto un concetto totalizzante, la musica totale…
Quello che penso è che mi ritrovo in una dimensione di ricerca dentro quattro muri che si spalancano sull’universo. Verso il sacro. Il magico. L’ignoto. Ma non è solo la musica, quello è un aspetto: parte da più lontano, ed è più impegnativo. Le persone sono maschere, e di persone tante, di esseri umani pochi. A Sanremo ci sono tante brave persone, ma io preferisco gli umani alle maschere.

Non giudichi, non ti interessa, ma lo hai sfiorato, il Festival.
Due volte. Non mi presero, vivo ancora quei tentativi come errori. Allora ci tenevo, non lo nego. Poi ho cambiato percorso e mi è solo successo, non merito nessuna apologia, nessuna autoesaltazione e nessuna flagellazione. Se non critico nessuno è perché ho già il mio daffare a criticare me stesso.

Fare la corsa su di sé, vuoi dire? Sui propri limiti?
Questo è quello che io chiamo ricerca. Uno scavo inesausto, che finisce sempre nella consapevolezza del limite.

Ma insomma, che avrebbe di perverso il Festivalone dove, dice Pelù, che ci sta, «tutti ci vogliamo bene e la musica regna»?
Sanremo, con tanti malcostumi italiani piccoli e meno piccoli, fa di questo Paese quello che è. Un agglomerato di figuranti antropomorfi.

Piero Pelù sul palco dell’Ariston.

Questa era un po’ difficile…
Il papa è sacro senza sacralità. Il calcio. Sanremo. I buoni sono quelli dal volto pulito. Meglio ancora, i tatuati…

Io ce li ho i tatuaggi!
Sei un coglione allora! (ride)

Sanremo senza sacralità?
È un concetto di normalità, un simbolo di una normalità in cui non mi ritrovo.

Vaglielo a dire alla tua amica Levante, a Pelù…
Ma no, che devo dire io? Levante? Piero? Va benissimo, sono le nuove Iva Zanicchi, Shel Shapiro… Nel senso buono!

Meno male che è il senso buono…
Ma io che devo dire?

Che Sanremo è Sanremo?
Allora c’era quello. Dico i tempi della Zanicchi. Adesso esistono alternative, altri percorsi, altre volontà. A Sanremo ci si arriva per tanti motivi, alcuni hanno a che fare col talento, altri meno. Levante è intonata. Piero è intonato. Magari hanno due pezzi fantastici.

Ma, detto alla Marzullo, ci vuole più coraggio ad andarci o a non andarci, se poi sei uno di una “scena” diversa, chiamiamola così?
No, coraggio: è lavoro. Solo che per me l’attività, intendo di ricerca, sulla musica, è passività: la subisci, te ne lasci permeare. Dominare.

Guarda che questo è lo stesso che va dicendo il tuo amico Morgan, in gara con Bugo. L’altra notte al dopofestival delirava al modo di quelli che la pigliano male: «Siamo ultimi in classifica? Lo pretendiamo, perché ci vuole talento, noi siamo pop non canzone italiana…». E giù coi soliti pipponi, del tipo anche i Beatles sono pop, Mozart arrivava ultimo…
E io dico: sì! (ride).

Ridi, perché sei un paraculo!
Marco ha un gran talento. Sui motivi che lo spingono a Sanremo, dovresti chiedere a lui. A me non resta che essere severo con me stesso.

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Cristicchi su Sanremo 2020; artisti bravi, poche canzoni da brivido

C’era un ragazzo che disegnava chiuso in camera sua per spaventare i fantasmi. Poi capì che poteva farlo anche con..

C’era un ragazzo che disegnava chiuso in camera sua per spaventare i fantasmi. Poi capì che poteva farlo anche con una chitarra; voleva uscir fuori, diventare come Biagio Antonacci. Poi è andato oltre. È finito in manicomio, a sbattere contro gli occhi di scarto, quelli che l’umanità tiene legati, seppelliti: ne è uscito con una canzone, l’ha portata a Sanremo e l’ha vinto.

Ha avuto successo; non gli bastava, ha sterzato per altri sentieri, di montagna, verso un eremo, di miniera, verso chi ci lavorava, e cantava la sua fatica.

Ha fatto giri immensi, attraversando teatri di memoria. Tredici anni dopo ha riportato quella rosa rossa di follia sul palco dell’Ariston: è salito su una sedia e tutti sono ammutoliti.

Simone Cristicchi (foto LaPresse – Andrea Panegrossi).

DOMANDA. A volte basta niente per volare, Simone Cristicchi
RISPOSTA. Una seggiola, sì. È un gesto teatrale. Ma è anche nello spartito, quel volo lì.

Un volo che condensa le tue vite di artista: la canzone dentro il teatro, o se preferisci viceversa…
Sì, non c’è più separazione. È andata così. La cosa importante è avere riscoperto quel momento, quel gesto dopo 13 anni. E lo ricordavano, io l’ho sentito l’applauso a metà brano, magari da casa non si coglieva ma noi la botta l’abbiamo avuta.

È parso molto, molto coinvolto anche Nigiotti, sembrava quasi smarrito.
Enrico è stato bravo, ci ha messo tutta l’anima. E ha avuto coraggio, Ti regalerò una rosa era il più recente di tutti e 24 i duetti.

Lo ha scelto lui?
Sì, lo ha scelto lui e mi ha chiamato e non è un pezzo facile da rendere questo.

Ma ci si trova meglio in gara o come ospite, senza complicazioni, senza rischi?
Non lo so… (ride).

Non lo sai?
Ma io anche l’anno scorso, che ero in gara, stavo molto rilassato. Anzi quello è stato il Festival migliore per me, perché ero più maturo e anche più libero, senza obiettivi particolari, volevo solo che il brano [Abbi cura di me, ndI] arrivasse.

Simone Cristicchi (di spalle) ed Enrico Nigiotti.

Più di così, non ha più smesso di girare…
In un certo modo, c’è un filo conduttore tra Ti regalerò una rosa e Abbi cura di me.

Il filo, direi, è chi la canta: ai due estremi, il ragazzo outsider e l’autore affermato, che torna con la sicurezza dell’uomo. E Sanremo è cambiato anche lui.
Non mi aspettavo questa audience; per il Festival va bene, al di là dei riscontri immediati, che sono affare della Rai, sta a significare l’affezione, un legame che si proietta, una prospettiva.

Sì, ma con quale materia prima?
In generale, per quello che ho sentito, non l’ho trovata la canzone da brivido, quella che ti blocca, ti fa capire che è successo qualcosa. Forse solo Tosca.

Lei ha fatto scelte simili alle tue, si è concentrata sul teatro e l’intepretazione se ne giova, no? Così puoi fare un rap ante litteram senza bisogno di sbraitare sempre, di contorcerti…
In effetti… (ride). Ma non lo definerei un rap questo: è un recitativo, poi dipende dalle intenzioni. Oggi lo faccio in modo diverso, perché sono diverso. Lasci perdere i generi, ti concentri su quello che vuoi trasmettere. Conta questo e solo questo.

Ma c’è sempre bisogno di stare, o fingersi, così incazzati?
No, come non c’è bisogno di volgarità gratuite. Ma è anche un fatto di età, non nasci maturo, risolto, hai le tue fasi. Io sono distante da quel genere lì, ma non metto tutto nel calderone: Anastasio è bravo.

E di Achille, che vogliamo dire? Ne parliamo o lo teniamo chiuso nello sgabuzzino dei costumi?
Achille Lauro a me diverte, dico nel senso artistico. Crea aspettativa, e un artista è uno che porta la sorpresa. Lui è un uomo di spettacolo, uno showman.

Dì la verità, che un po’ di nostalgia per il Festival…
Ma io ci tornerò. Quando avrò il pezzo giusto, ci tornerò.

Da sinistra, Simone Cristicchi ed Enrico Nigiotti.

Stai scrivendo canzoni, al di là del teatro che tanto ti assorbe?
Piano piano sto mettendo cose da parte. Senza fretta, come ho imparato a fare. Certo, ogni volta che salgo sul palco dell’Ariston quella voglia mi torna: per capirmi, per capire dove sono adesso, come musicista, come creatore di canzoni. Ma nessuna pressione, nessuna premura. Perché poi è quella che ti frega, e io ho visto tanti artisti, bravi, sensibili, perdersi per quella smania.

È il teatro che ti ha insegnato la pazienza? Oppure la vita, che tira dove vuole lei? O le scelte di percorso che hai fatto? Per me è strano incontrarti in un oratorio, a parlare ai ragazzi, e poi vederti all’Ariston, in volo su una seggiola, nel giro di poche ore.
Non curo molto il contesto: mi emoziono se torno all’Ariston, ma relativizzando la situazione, come è giusto: scendo dalla seggiola, riparto con gli spettacoli in teatro. È bello ripartire. Con molta tranquillità, non mi faccio più travolgere dalle urgenze del successo. Mi capitano sorprese diverse. Gli incontri. Certe scoperte al limite del paradossale.

Per esempio?
Sai il libro che mi hai visto presentare a San Benedetto? E’ un po’ frutto della canzone di Sanremo, l’ho chiamato allo stesso modo, Abbi cura di me. A proposito dell’arrivare con un tuo brano. Me lo chiede Piemme e penso: ma che mi metto a fare, a raccontare la mia vita? A 40 anni? Poi ho capito: se parlo anche dei fallimenti, dello sconforto, delle sconfitte, allora è un’altra cosa. E adesso scopro che è primo nelle librerie religiose!

Come, primo? Prima anche di papa Bergoglio?
Che Dio mi perdoni!

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La vox populi su Sanremo è meglio del Festival di Amadeus

Che brava «Lula, Rula Gebrial, Gerberal, Brigeal», che forti «i Vibratori», che simpatici «Morgàn e Buco». A volte nessuno può arrivare alla comicità involontaria degli spettatori della kermesse dell'Ariston.

La fortuna del cronista è nel caso ma il caso va stanato, va provocato dove non ti aspetti di trovarlo – se no che caso è? L’importante è uscire, evadere dallo schermo dove scrivi e disperderti nella cosiddetta gente; per esempio sotto la volta di un mercatino coperto di un paese qualunque, fuori il migrante che ha altro da pensare, dentro la cosiddetta gente che invece beve Sanremo e il giorno di poi lo metabolizza a modo suo. O nel classico bar, o in una fila qualsiasi, tanto in questa settimana non si parla d’altro.

E allora è da sentire, da rendersi conto di come i qualunque, gli spettatori più o meno attenti, più o meno convinti, percepiscono uno spettacolo in fondo imposto, che possono solo subire; allora il cronista prova la misura dell’abisso tra la vanagloria della Rai, della sua grancassa che si dopa con gli ascolti, e ciò che rimane davvero, sedimentato nei sogni e nei risvegli di chi ha seguito 270 minuti di faticoso show.

Sì, c’è come un filtro, di comprensione, di comunicazione tra ciò che passa il convento e quello che arriva in realtà ed è in quell’incredibile ma vero modo di cogliere i protagonisti, nella routine della vita di sopravvivenza, pane quotidiano, pesce fresco, numerino allo sportello, che il cronista si disperde e un poco si spaura, come davanti a un infinito equivoco.

LE VIBRAZIONI DIVENTANO I VIBRATORI

Il bravo presentatore Amadeus, per dire, diventa nella vulgata popolare «Amedeus» o «Amadeo» e fin qui passi, ci può stare; ma che dire della bionda e rifatta conduttrice di una sera, che l’anagrafe popolare rilegge in «Diletta Dilotta»? Sulla collega di origine palestinese il cronista ne sente di ogni, «Lula, Rula Gebrial, Gerberal, Brigeal», praticamente un medicinale, mentre il superospite di tutte le sere diventa d’incanto «Tiziano Fierro», forse lo considerano nipote d’arte del grande Aurelio. Elodie finisce per ritrovarsi «Melodì», ed «è tanto brava».

Le Vibrazioni.

Invece una madama un poco sciatta proclama che non le sono piaciuti per niente «quelli, i Vibratori: urlano troppo forte». Le Vibrazioni, trasformate in oggetti di piacere, sentitamente ringraziano. Junior Cally ha un nome difficile da ricordare e, nella approssimativa percezione comune, diventa «quello che vuole stuprare le donne in maschera», con eccesso di specificazione.

QUALCUNO SI LAMENTA PERCHÉ RANIERI È STATO ELIMINATO

L’emulo di David Bowie, e non solo, è «Achille Di Lauro», mentre il povero Rancore viene talora confuso con Neri Marcorè, l’attore, oppure identificato in «quello sempre incazzato». Di Riki addirittura qualcuno ipotizza una parentela con «i Ricchi e Poveri», Francesco Gabbani subisce una nobile metamorfosi, «Gabbiani», Morgan resta Morgan (a volte chissà perché con l’accento sulla a, come “Tarzàn”), ma in accoppiata inevitabile con «Buco».

Massimo Ranieri.

Diodato viene confuso con Deodato, mitico musicista brasiliano, o moltiplicato in Diodati; una attempata fan, infine, tradisce tutta la sua indignazione «perché Massimo Ranieri, che è il più bravo, l’hanno eliminato la prima sera». Quanto a Jannacci Junior, per qualcuno è «Enzo Paolo Jannacci», omonimo del ballerino Enzo Paolo Turchi. Ma il meglio arriva con l’ereditiera: «Elettra Miura, quella delle auto elettriche». Sì, e in duetto con Elon Musk. D’altra parte, si sa che Sanremo è un affare di potenti e di raccomandati: il conduttore dell’altro Festival, per esempio, è «Nicola Salvini, e figurati se non ce lo mettevano lì a presentare». Proprio vero, l’Italia gattoparda non cambia mai. Dai marciapiedi, che qualcuno chiama l’università della vita, è tutto, a voi la linea.

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Le pagelle della seconda serata di Sanremo 2020

Dove starebbero le mille sorprese promesse da Amadeus? Solo le vecchie glorie come i Ricchi & poveri e Massimo Ranieri dimostrano di avere qualcosa da dire. Sul palco, in mezzo a canzoni e cantanti in gara mediocri, si salvano Levante e Tosca. Ma il filo comune è la noia. I voti di Max del Papa.

Sanremo inclusivo, è la parola d’ordine quest’anno. Inclusivo, solfeggia l’amministratore delegato della Rai, Fabrizio Salini. Inclusivo, amplificano i media. Inclusivo ma anche occlusivo, eventualmente. È il Festival degli squisiti paradossi: perché, per dire, il suo toccante monologo Rula Jebreal non l’ha dedicato al cantante ex mascherato Junior Cally, uno che canta di come stuprare e far fuori le donne? No, l’ha dedicato ai maschi come tali e anche questo vezzo di reagire a ogni critica scomodando il maschio bianco in quanto prevaricatore (come minimo), non pare molto inclusivo.

Magari, ecco, non siamo ontologicamente tutti così e neppure inclusivi al modo della vecchia fiamma Roger Waters, uno che ai concerti fa volare un maiale con la stella di David: ragion per cui qualcuno deve aver pensato che un videomessaggio non valeva una devastante crisi diplomatica (e qualche rogna alla convinta giornalista). Ma tutto è già macinato, la seconda sera tocca ad altre presenze “in rosa”, sempre tesi al rinnovamento qui al Festival, drogatissimi dal 52% di ascolti anche se secondo qualcuno sarebbe una media aggiustata sui picchi della sola seconda parte.

Sia come sia 10 milioni e passa sono inclusivi, racchiudono la pancia del Paese, come si dice. Ma se fossero solo automatismi televisivi, se non fosse Sanremo lo specchio della nazione ma il contrario, l’Italia specchio di un Festival che non la rappresenta affatto, che prende quello che vuol prendere e il resto lo scarta, lo ignora? C’è molta pomposità in questo senile Sanremo dei 70 anni ma anche tanta piattezza, il che viene a dire poco dinamismo, poco coraggio: poco entusiasmo. Ci sono giovani che ammiccano, sembrano usciti dalle pubblicità delle merendine – e i giovani, no, non sono così. C’è l’ostinato predominio di senatori che rianimano una remota proiezione di sè. C’è una morale rassicurante, sconosciuta alla società che si agita. C’è la finta trasgressione che non punge nessuno.

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TANTE SORPRESE ANNUNCIATE, POCHE NOVITÀ REALI

Ci sono personaggi incomprensibili, che uno a vederli si spaura: Elettra Miura Lamborghini sarebbe Paese reale, Paese vero? No, questo è il pianeta della tivù, è il reality che è il contrario della realtà e non è un caso che Fiorello si travesta da Maria de Filippi la quale appare in voce, come il Dio che giudica e manda: al telefono. È tutta una bolla, inclusivi tra loro, esclusivi per i terrestri, gli afflitti dalla gravità che li schiaccia mentre applaudono. Sì, certo, lo spettacolo deve essere atipico, eccessivo, se no che spettacolo è? Ma questo è spettacolo? Noi diremmo che è se mai una pantomima, qualcosa che punta ad essere show senza volerlo essere davvero, quindi ripetendosi.

Sanremo rispecchia l’Italia nel suo conformismo piccolo borghese

Dove starebbero le mille sorprese promesse da Amadeus? Dove la novità, l’imprevedibilità? Poi si potrà dire che Sanremo funziona come è, che il suo corpaccione televisivo è fatto per soddisfare il cannibalismo di quanti più televedenti: benissimo, basta saperlo, basta non millantarlo. Lasciateci però all’autunno del nostro scontento, lasciateci dire che non vediamo in cosa, secondo il cliché che non regge più, Sanremo rispecchierebbe l’Italia se non nella sua stanchezza attuale, nella sua rassegnazione, in una fame di cose risapute e un po’ stantie, nell’orrore di ogni azzardo. Anche in certo conformismo borghese, piccolo borghese, che nasconde i vizi privati e sbandiera pubbliche virtù tutte da verificare, senza nessuna voglia di andarle a verificare davvero.

Da sinistra, Amadeus e Fiorello nei panni di Maria De Filippi.

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Prendiamo proprio i giovani, dalla cui propulsione si capisce davvero lo spirito di un Paese: perché a Sanremo deve starci un Leo Gassman, senza grandi numeri a parte la faccia giusta, e non una Sherol Dos Santos che nello stesso X Factor brillò infinitamente di più? Dite che Leo non deve scontare il suo nome? Non scherziamo, in Italia il nome è garanzia, chi ce l’ha va in sorpasso e infatti Leo eccolo; Sherol lotta per non sparire e a una piccola etichetta, Instant Crush Records, sono appese le speranze di vederla emergere. A Sanremo l’hanno scartata, incredibilmente o sintomaticamente, alle audizioni. Siamo sempre all’epica, logora, del Davide contro i Golia ma i Golia vanno avanti, al Festival come dappertutto nel mondo inclusivo ma non sempre, non per tutti.

CONDUTTORI, SPICCANO CHIMENTI, D’AQUINO E SABRINA SALERNO

FIORELLO: 5. Fateci caso, in campo lungo sembra sempre più Claudio Baglioni. Ridendo e scherzando, anche lui veleggia per i 60: e, accidenti, si vede.

AMADEUS: 5. Aziendalista. È di una generazione di mediocri, non sbagliano niente perché non rischiano niente e alla Rai vanno bene così.

Da sinistra, Amadeus, Laura Chimenti e Emma D’Aquino.

LAURA CHIMENTI E EMMA D’AQUINO: 6. Carine, ingessate ma non è il loro posto: sono giornaliste vere, loro. Fa parte del gioco al quale si prestano, garbatamente.

SABRINA SALERNO: 6+. Amadeus fa coming out: aveva il suo poster in camera 35 anni fa. Non era l’unico, e nessuno è diventato cieco: volendo, il poster andrebbe benissimo pure adesso. Il punto è che se la cava, magari vuole strafare, ma chi se ne frega: io me la sarei giocata per tutto il Festival.

TRA I GIOVANI SOLO SENTIERI E FAUSTINI DANNO QUALCHE FLEBILE SPERANZA

GABRIELLA MARTINELLI E LULA (Il Gigante d’Acciaio): 5 –. Il gigante sarebbe l’Ilva con tragedie annesse. E che fanno? La solita rabbia fasulla all’affogato di melassa melodica. Eh, ma vuoi mettere l’impegno. Sì, l’impegno è fico, solo che la canzone è un impugno.

FASMA (Per Sentirmi Vivo): 5. Ma a me ‘sta solfa in autotune senza un domani m’ha ammazzato. L’intro è copiato, ma non ricordo da cosa. Il resto pure, ma di più non saprei dire. Fa asma, un po’, ma passa. Dio ci scampi e liberi dall’ennesimo rappere probblematico co’ i traumi d’a a bborgata.

Marco Sentieri.

MARCO SENTIERI (Billy Blu): 5/6. Nomi grossi, per un esordiente: Giampiero Artegiani scrive, Danilo Ricciardi (Renato Zero e altri) dirige, e si sente. Anche lui post rapper di Napoli, come Anastasio ma meno viscerale e più orchestrale. Regge? Mah, a volte affiora Gigi d’Alessio. Comunque la spunta.

MATTEO FAUSTINI (Nel Bene e Nel Male): 5/6. Già vincitore di un Premio Lunezia per nuove proposte sanremesi. Insegue la canzone d’autore ma è un po’ datato, intenso ma stonato, coraggioso ma esitante. Tra bene e male.

TRA I BIG SOLO LEVANTE E TOSCA SI ELEVANO DALLA MEDIOCRITÁ

PIERO PELÙ (Gigante): 3. Ma io chi ho ammazzato nell’altra vita per ritrovarmi a 55 anni a commentare Pelù che fa la sigla della tivù dei ragazzi? E, soprattutto, che avrà fatto ‘sto povero nipotino per meritarsi un nonnetto come Piero Pelouche?

ELETTRA LAMBORGHINI (Musica (e il resto scompare)): S.V. Ma la classe di questa artista? La finezza vocale? L’eleganza del gesto? L’intensità dell’espressione? Il magnetismo innato? Porta una canzone di contenuti forti, «innamorato di un’altra cabron». Difficile trovarle chi le sta a petto; a me ricorda Ma Rainey, Bessie Smith. Il valore aggiunto di un Festival a caccia di talenti.

ENRICO NIGIOTTI (Baciamo adesso): 1. È lui il vero nipotino di Piero Pelouche, fateci un po’ caso. Ora, qui sorge un problema: capire se è peggio lui, l’interpretazione o la canzone; atroce dilemma, e non solo quello.

LEVANTE (Tikibombom): 6+. Magra in una maniera preoccupante, allampanata, scomposta, ma la sua interpretazione, con tutti i limiti, vocali, lirici, anche armonici, si distingue. Non è una fuoriclasse artista, e non ha una gran canzone: ma in un Festival di mediocri, la sua grinta spacca e spicca.

Levante.

PINGUINI TATTICI NUCLEARI (Ringo Starr): 4. Ma che Ringo Starr, casomai Ringo boys. Rinco, meglio. No, non lo dirò che sono Lo Stato Sociale di quest’anno, arrivo tardi. Dico solo che da queste cose, anzi questi cosi, si capisce la tragedia del cosiddetto indie italiano.

TOSCA (Ho Amato Tutto): 6-. Siamo in quota “signora della canzone”. Chi la ricorda? Un successo precoce vent’anni fa, una virata verso il teatro, senza abbandonare il pentagramma. Cerca un rilancio musicale con una di quelle proposte che fanno sdilinquire i critici ma dopo un po’ fanno pure due palle così.

FRANCESCO GABBANI (Viceversa): 4. Cerca di scrollarsi di dosso lo scimmione, ma il suo occidentale karma lo riacchiappa. Con una robina sanremese così, è finora primo: roba che rivince.

PAOLO JANNACCI (Voglio Parlarti Adesso): 5. Ha cominciato col padre, come Cristiano de André. Uguale sputato al padre, come Cristiano de André. Meno che nel talento, come Cristiano de André.

RANCORE (Eden): 4. Non si è capito molto di quello che ha cantato (?), ma un rapper e(r)metico conta per quanto si agita s’incazza ramazza stramazza. Poi arriva a Sanremo e si calma, tranquilli. La musicuzza del solito Dardust è tutta arpeggi pseudodrammatici, non proprio il massimo. Ma è tra i cocchi della critica di quest’anno, che lo trova molto originale, molto incazzato.

Junior Cally.

JUNIOR CALLY (No Grazie): 3. ‘Azz’, n’altro rapper della periferia romana, ma che è, un’epidemia? Ah, ma questo è quello che voleva stuprare e far fuori le fanciulle. Ma che s’è messo, una divisa nazi? Eh, ma ce l’ha con Matteo Salvini. Allora va bene, tutto è perdonato. Era meglio però se teneva su la maschera. Boh, a me sto riffaccione glam sugli archi invece della chitarra pare tanto una paraculata.

GIORDANA ANGI (Come Mia Madre): 2. Altro prodotto di Amici, e si capisce appena apre bocca, però pupilla di Tiziano Ferro, infatti lo copia la piccola Angi. Angina. Tremenda uguale.

MICHELE ZARRILLO (Nell’Estasi o nel Fango): 4. Una boccata d’aria fresca, sarà 30 anni che sta qua: 13 ne ha fatti, mica uno. Di estasi pochissima, senti a me.

OSPITI: SI SALVANO I VETERANI RICCHI & POVERI, RANIERI E ZUCCHERO

MASSIMO RANIERI (6+) e TIZIANO FERRO (5-). Un altro po’ e “Ama” casca stecchito per l’orgasmo di presentarli: al dunque, un duettino roboante ma un po’ alla Dio t’accompagni. Erede, Ferro? No, Tiziano è già spompo e melenso, Massimo classe di ferro (interessante l’inedito, cocciantiano, classico, bel testo).

RICCHI & POVERI: 6+. Con la &, come si scriveva 50 anni fa. E certo, nella prima puntata c’era la Power family, il Carrisi clan, oggi loro. Che però sono meglio, perché i loro intrecci vocali tra Elo e Beach Boys all’italiana ci riportano a un come eravamo che esorcizziamo ridendone. E invece, maledizione, racconta di tivù in bianco e nero, Raimondo e Sandra (Coriandoli su di noi), e un sabato italiano sempre più lontano. E di canzonette come Che sarà e L’ultimo Amore, che averle oggi, a Sanremo…

Zucchero Fornaciari.

ZUCCHERO: 6. Ma non c’era anche l’anno scorso? Ha cambiato solo il cappello, ha dei cappelli deliranti Zucchero, questo sembra un tegame. Aspetta che vado a prendere la pagella dell’anno scorso. Anzi no, lo promuovo d’emblée, ma solo perché ha riesumato la sana e consapevole libidine.

GIGI D’ALESSIO: 5. Già è difficile da reggere di giorno, a mezzanotte e mezzo, dopo quattro ore di Festival,«quel seno che non è cresciuto più» diventa nu guaio. Vedi te se uno per una trombata in spiaggia deve menarsela per i prossimi 20 anni, e che, ce l’aveva come Gwyneth Paltrow?

PAOLO FEATSRING CHRISTIAN PINTUS (Io Sono Paolo): S.V. Chi scrive ha conosciuto questa bestia crudele, l’ha tenuta in mano nel corpo di tanti. Fa spavento tanto è ingiusta. Fa paura quando ti guarda. E non vuoi guardarla, vuoi scappare via per paura che prenda anche te. Ma se sei un uomo, la guardi negli occhi di chi con gli occhi parla. Chiama. Urla. Serve portarla a Sanremo avvolta in un costume damascato che strozza il cuore? Io non lo so, ma so che anche solo un’oncia di coraggio è importante, per bugiardo che sia. Solo questo imparai. Solo questo sconcerto oggi vi affido.

LO SHOW: 4. Interminabili siparietti da casa di riposo tra “Ama” e “Fiore”, i due ragazzi irresistibili, che uno incanutisce a seguirli: e su, e non si può cominciare la gara dei cosiddetti big alle 10 passate, dopo 90 minuti di retrospettacolo, e diluirla a un concorrente ogni mezz’ora, ma è disumano, è da nazisti, dai. Troppo, troppo, troppo di niente, inclusi i monologhi davvero strazianti.

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Il mistero dell’intervento mancato di Roger Waters a Sanremo 2020

Un videomessaggio del membro storico dei Pink Floyd sarebbe dovuto andare in onda durante la prima serata. Secondo il Corriere, la Rai avrebbe detto no a causa delle posizioni anti-Israele del musicista.

Annunciato da Amadeus come un regalo al Festival di Sanremo, è saltato all’ultimo minuto il video-messaggio che Roger Waters aveva preparato per la prima serata. Sarebbe dovuto andare in onda prima dell’intervento di Rula Jebreal. La Rai afferma che la decisione è stata presa per motivi di scaletta.

LE POSIZIONI DI WATERS ANTI-ISRAELE

Ma secondo un retroscena del Corriere della Sera, le ragioni sono prettamente politiche. «Al di la della versione della Rai, i motivi sarebbero altri», scrive il quotidiano milanese, «e sarebbero legati alle posizioni dell’ex Pink Floyd da sempre considerato un nemico di Israele, arrivato fino a negare la stessa possibilità di esistenza dello Stato. Non è un segreto nemmeno la sua adesione ormai pluriennale al Bds, il movimento che promuove “la libertà, la giustizia e l’uguaglianza per la Palestina

«LA CONTRARIETÀ DEI VERTICI RAI»

In tante occasioni Waters ha espresso la sua durissima opinione, su tutte un suo mantra: “Ciò che gli israeliani fanno ai palestinesi è simile a quello che gli ebrei dovettero subire nella Germania degli anni ‘30”. Parole naturalmente intollerabili per gli israeliani. La profonda contrarietà sarebbe arrivata alla dirigenza Rai — e anche all’amministratore delegato Salini. Il rocker, che nega i diritti di Israele, e considerato antisemita, non sarebbe stato gradito per la grande visibilità che avrebbe avuto nell’evento televisivo più seguito d’Italia».

LA RAI: «MOTIVI DI SCALETTA»

«Le scalette ammettono possibilità di variazione. E quando l’abbiamo rivista, proprio io ho pensato che il preludio di Roger Waters fosse uno start ritardante al monologo di Rula», ha spiegato il direttore di Rai1 Stefano Coletta, negando che ci sia stata alcun censura legata a posizioni politiche dell’ex Pink Floyd, «questo quadro si bastava da solo. Ho pensato che non avesse bisogno di alcuna introduzione, non parlavamo di fiction ma di dato biografico», ha aggiunto. Ha poi spiegato che la messa in onda a mezzanotte è stata dettata solo da «una valutazione narrativa. Parlare di suicidi dopo le 22.30 è uno dei cardini che dobbiamo osservare».

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Sanremo e la schizofrenia dei valori

All'Ariston si passa dalla tragedia della violenza sulle donne ad Achille Lauro che mostra il pacco avvolto dal costume griffato. Mentre gli orchestrali sono pagati da fame e i cosiddetti giovani vengono sacrificati in modo offensivo. Il Festival vuole agitare ideali veri, violenti, urgenti. Ma quali?

Qualche noterella a margine di una serata schizoide. Rula, l’antipatica, la saccente, sconta la sua antipatia ma, già detto che il suo monologo poteva essere meglio risolto, è stato obiettivamente toccante: una madre annientata, il dramma di una figlia, di tutte le donne violate: come si fa a non fermarsi almeno un istante a meditare?

Poi i detrattori non mancano di rilevare i suoi trascorsi con l‘orco Weinstein, il fatto che il suo appello caschi nel dannato occidente che tuttavia, bene o male, di certi orrori ha ancora orrore, il voltafaccia di una che dice «il mio momento migliore è quando sono arrivata in Italia» ma aveva giurato di non mettere più piede in questo Paese razzista, pieno di sporchi maschi bianchi. Sì, ma queste ipocrisie piccole o grandi sono il prezzo da pagare se vuoi entrare in un Festival che è ipocrita costituzionalmente.

Tutti peccano, tutti prima o dopo inciampiamo in una doppia morale e se la nostra non risalta è solo perché non la recitiamo davanti a 10 milioni di persone. Il punto è un altro. È che questo Festival è, come e più di sempre, uno spettacolo mediocre, di cantanti mediocri, di canzoni misere, di testi da galera, di numeri parrocchiali che tradiscono il solito senso del compatimento della televisione per le masse; e, in tanta bassezza, vengono però pompati con violenza valori violenti, questioni pesanti al limite del tragico.

ORCHESTRALI SOTTOPAGATI, IMPRESARI ONNIPOTENTI E GIOVANI SACRIFICATI

Come interpretare questa schizofrenia? Secondo la logica del salvare il salvabile? Del “purché se ne parli”? Oppure come foglia di fico per una rassegna di bassa qualità? Ha senso, e fino a che punto, impostare un festival di canzonette nell’urgenza della condizione della donna? Il cronista osserva, critica, ma non ha risposte certe: si limita a mettere insieme le cose, a riferire di uno sconcerto che però non è solo il suo, è di molti.

Da sinistra, Amadeus, Diletta Leotta, Rula Jebreal e Fiorello.

Perché questo è un festival dove, la mattina dopo, tutti i giornali esaltano la tematica delle donne uccise e torturate, ma è anche il Festival dove gli orchestrali sono pagati da fame, 50 euro al giorno; dove un impresario onnipotente – lo stesso di Rula in difesa delle donne – impone una umiliante trasformazione delle conferenze stampa in reality, cui i giornalisti obtorto collo debbono adeguarsi; dove i cosiddetti giovani vengono sacrificati in modo offensivo, si parla addirittura di premiarli in base alle registrazioni di quelli arrivati in semifinale, come a dire che sono dei nessuno, dei tappabuchi a dimensione Youtube, cosa che ha mandato su tutte le furie Enzo Mazza, presidente della Fimi, l’organismo che confedera le major discografiche. Valori forti, imprescindibili, o veli per gli affari, per i diktat caduti dall’alto?

SI PASSA DALLE ATROCITÀ SULLE DONNE AL COSTUMINO DI ACHILLE LAURO

Ha senso un festival dove si passa in un attimo dalle atrocità sulle donne al costumino di Achille Lauro che, siccome ha il pacco in evidenza, tutti lo copiano dopo un minuto a cominciare dal conduttore del Dopofestival, Nicola Savino? E questo Dopofestival è davvero uno spettacolo inverecondo, l’abisso di tutta la faccenda: c’è questa Miss Keta che uno spaccherebbe il televisore appena apre bocca dietro la maschera, ci sono lazzi, luoghi comuni e sciocchezze recitate nel solito pidgin inglese incomprensibile e stupido.

Renato Zero i costumi se li pensava, rimediava e cuciva da solo. Quello di Lauro è un modello griffato Gucci e costa un barcone di soldi

Ci sono lì in mezzo donne drammaticamente scollate dalle vittime tratteggiate da Rula Jebreal al punto da sembrare specie diverse: tutte prese, le opinioniste delle tre di notte, con o senza maschera, dalle loro pose, da una vanità che fa parte del gioco ma se la usi mentre parli delle vittime, con quella vaghezza, con quella leggerezza, con quell’autocompiacimento, irritano non poco. A proposito.

Achille Lauro durante la sua prima esibizione a Sanremo 2020.

Si esalta tanto il costumino glitterato di Achille che mostra il pacco, ma il costumino è di per sè un pacco: niente a che fare con i costumi del modello di riferimento, Renato Zero, che ai suoi esordi se li pensava, rimediava e cuciva da solo. Quello di Lauro, se non lo sapete, è un modello griffato Gucci e costa un barcone di soldi. Anche i vestiti di Rula e di Diletta Leotta sono di grandi marchi della moda. E questo, signori, è Sanremo e questo è tutto quello che è Sanremo che sempre più agita valori veri, violenti, urgenti. Valori, ma quali?

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